Een groep proefpersonen lag in een MRI-scanner aan Columbia University in New York en bekeek schilderijen. Bij figuratieve beelden, zoals een gezicht, een landschap of een fruitschaal, reageerden de hersenen van de deelnemers ongeveer hetzelfde. Toen de beelden abstract werden, gebeurde er iets anders: de activiteit viel uiteen en werd individueel. De resultaten werden in 2025 gepubliceerd in het wetenschappelijke tijdschrift PNAS en zeggen iets onverwachts over waarom een abstracte poster heel verschillende dingen kan betekenen voor twee mensen die dezelfde woonkamer delen.
Het fenomeen heeft een naam die al meer dan honderd jaar oud is. Kunsthistorici noemen het het aandeel van de beschouwer, en het idee is eenvoudig te formuleren maar moeilijk te bewijzen: een kunstwerk is niet af wanneer de kunstenaar de kwast neerlegt. Het wordt af wanneer iemand ernaar kijkt en de rest aanvult met diens eigen herinneringen, associaties en dag. Nu is er hersenbeeldvorming die deze bewering ondersteunt, en dat verandert hoe je redelijkerwijs kunt denken over het kiezen van kunst voor je eigen huis.
Kort samengevat: De studie "The Beholder's Share: Bridging art and neuroscience to study individual differences in subjective experience" werd op 14 augustus 2024 ontvangen door PNAS en op 11 februari 2025 geaccepteerd. De studie werd voorgesteld door Nobelprijswinnaar Eric Kandel, die in 2000 de Nobelprijs voor Fysiologie of Geneeskunde kreeg, en het onderzoek werd uitgevoerd aan het Zuckerman Institute van Columbia.
Riegls ontdekking: het kunstwerk dat pas af is wanneer iemand ernaar kijkt
De Oostenrijkse kunsthistoricus Alois Riegl, werkzaam rond de eeuwwisseling van 1900 en overleden in 1905, bestudeerde Hollandse groepsportretten uit de 17e eeuw en merkte iets op waar niemand echt woorden aan had gegeven. De figuren op de schilderijen keken het doek uit. Ze richtten zich tot degene die naar hen keek. Riegl noemde dit de betrokkenheid van de beschouwer en stelde dat de Hollandse schilderkunst bewust een opening liet die de toeschouwer moest betreden om de compositie compleet te maken.
Het idee werd verder ontwikkeld door de psychoanalyticus Ernst Kris en later door kunsthistoricus Ernst Gombrich, die het in zijn boek "Art and Illusion" uit 1960 zijn bekendste formulering gaf. Gombrich koppelde het aan een probleem dat opticaonderzoekers het inverse optische probleem noemen: het netvlies ontvangt een vlak, onvolledig en dubbelzinnig signaal, en de hersenen moeten raden wat het betekent. Zien is dus niet het ontvangen van een beeld. Het is er een construeren. Een schilderij maakt bewust gebruik van dat proces.
Eric Kandel bracht dezelfde redenering de neurowetenschap binnen met de boeken "The Age of Insight" en "Reductionism in Art and Brain Science", en hij was degene die de nieuwe PNAS-studie presenteerde. Die slaat een brug tussen Riegls observatie uit 1902 en een MRI-scanner in New York, ruim honderdtwintig jaar later.
Wat de onderzoekers van Columbia daadwerkelijk zagen toen de deelnemers abstracte kunst bekeken
De opzet toetste een voorspelling die tot dan toe pure theorie was geweest. Als abstracte kunst de kijker echt meer ruimte laat, zouden twee mensen die hetzelfde abstracte schilderij bekijken minder vergelijkbare hersenreacties moeten vertonen dan twee mensen die hetzelfde figuratieve schilderij bekijken. En als dat klopt: waar in de hersenen ontstaat het verschil? In de visuele cortex, waar het beeld eerst wordt verwerkt, of dieper in de hersenen, waar herinneringen en betekenis worden verwerkt?
Het antwoord werd duidelijk. Het verschil zat niet in de vroege visuele gebieden. De deelnemers zagen optisch hetzelfde. Het verschil ontstond in de hogere associatiegebieden, oftewel de netwerken die geheugen, zelfreflectie en verhalen verwerken. Daar waren de reacties persoonsgebonden op een manier waarop dat bij de figuratieve werken niet het geval was. Met andere woorden: wat tussen mensen varieerde, was niet de visuele waarneming, maar de interpretatie.
"Twee mensen voor een figuratief schilderij zien hetzelfde. Twee mensen voor een abstract schilderij zien hetzelfde oppervlak, maar verschillende betekenissen, en nu kan dat verschil worden gemeten."
Voor wie kunst koopt voor het eigen huis, is dit meer dan een curiositeit. Het verklaart waarom aanbevelingen voor abstracte kunst zo vaak niet aanslaan. Een vriend kan enthousiast over een werk vertellen zonder de ervaring te kunnen overbrengen, omdat een aanzienlijk deel ervan nooit in het werk zat, maar in de vriend.
Het defaultmodenetwerk: de dagdroomstand van de hersenen en de rol ervan bij schoonheid
De gebieden die in de studie opvielen, behoren grotendeels tot wat het defaultmodenetwerk wordt genoemd. Dat is de groep hersengebieden die het actiefst is wanneer we niets bijzonders doen: wanneer onze gedachten afdwalen, wanneer we ons iets herinneren, wanneer we ons de toekomst voorstellen of proberen te begrijpen waar een verhaal eigenlijk over gaat. Het netwerk heeft dus niet in de eerste plaats met zien te maken, maar met het innerlijke leven.
Dat dit in kunstonderzoek opduikt, is niet nieuw. Al in 2019 publiceerde een onderzoeksgroep in PNAS de studie "The default-mode network represents aesthetic appeal that generalizes across visual domains", waaruit bleek dat hetzelfde netwerk de esthetische waardering volgt, ongeacht of het om een gebouw, een landschap of een kunstwerk gaat. Het netwerk lijkt iets te coderen als "dit raakt me" in plaats van "dit ziet er op een bepaalde manier uit".
De combinatie van de twee bevindingen is interessant. Een werk dat dubbelzinnig is, activeert het innerlijke systeem sterker. Dat innerlijke systeem zorgt voor persoonlijke relevantie. Dubbelzinnige werken worden dus persoonlijker. Het is een verklaringsketen die klopt, en die geldt net zo goed voor een gedrukte poster aan de muur van een huurwoning als voor een olieverfschilderij in een museum. Het is goed om op te merken dat het netwerk de kwaliteit niet in objectieve zin meet. Het registreert geraakt worden. Twee mensen kunnen dus even sterk reageren op twee werken die de kunstgeschiedenis heel verschillend waardeert, en allebei hebben ze gelijk over hun eigen ervaring.
Psychologische afstand: waarom het abstracte groter aanvoelt dan het motief
Een verwante studie in PNAS uit 2020 gebruikte een theorie die psychologen constructieniveautheorie noemen. Kort gezegd: hoe verder iets weg voelt in tijd, ruimte of waarschijnlijkheid, hoe abstracter we erover denken. En omgekeerd: hoe abstracter iets wordt weergegeven, hoe afstandelijker en algemener we het zien. De onderzoekers konden aantonen dat kijkers abstracte werken in meer overkoepelende, principiële termen beschreven dan figuratieve werken, die juist concrete en gedetailleerde beschrijvingen opriepen.
Dit verklaart een ervaring die velen hebben gehad zonder die onder woorden te kunnen brengen. Een gedetailleerd natuurbeeld van een dennenbos wordt omschreven als "een bos in tegenlicht". Een groot kleurvlakkenschilderij wordt omschreven als "rust" of "verdriet" of "een ademhaling". Het motief krimpt en de betekenis groeit. Wie een abstract schilderij kiest, kiest in feite een gevoelsrichting in plaats van een voorwerp.
Tip: Test een werk met de stiltemethode voordat je het koopt. Bekijk het dertig seconden zonder de titel te lezen en schrijf daarna het eerste woord op dat in je opkomt. Herhaal dit na een dag. Als het woord hetzelfde is, heeft het werk een stabiele betekenis voor je en kan het prima hangen op een plek waar je er elke dag langskomt. Als het woord sterk verandert, is het werk waarschijnlijk veeleisender dan je denkt.
Wat het aandeel van de kijker betekent wanneer je kunst voor je eigen muur kiest
De eerste praktische conclusie gaat over wie moet kiezen. Als abstracte werken in hogere mate persoonlijke associaties oproepen dan figuratieve, is abstracte kunst een minder veilige keuze als cadeau voor iemand die je niet goed kent. Het is daarentegen een uitstekende keuze voor jezelf, of voor iemand wiens innerlijke wereld je echt kent. Figuratieve motieven, zoals fotokunst of botanische studies, spreken meer mensen op ongeveer dezelfde manier aan en zijn daarom een veiligere gezamenlijke keuze.
De tweede conclusie gaat over de plaatsing. Kunstwerken die het interne netwerk activeren, belonen herhaald en ongestoord kijken. Een abstracte compositie komt daarom beter tot zijn recht in de slaapkamer, in een leeshoek of aan de muur tegenover de fauteuil dan in een doorgang waar niemand stil blijft staan. Een figuratief beeld dat direct te begrijpen is, komt beter tot zijn recht in de hal en op de trap, waar je er in het voorbijgaan naar kijkt. Onze collectie met abstracte posters hoort dus thuis in ruimtes waar je rustig zit.
De derde conclusie gaat over de mate van ambiguïteit. Volledig willekeurige kleurvlakken geven de hersenen te weinig houvast, terwijl overdreven gedetailleerde motieven helemaal geen ruimte laten. Wat in de praktijk werkt, zit ertussenin: composities met een duidelijke structuur, maar een open betekenis. Dat is precies de balans die minimalistische posters en strakke grafische posters zo lang interessant maakt. We hebben meer geschreven over dit mechanisme in onze uitleg over verwerkingsgemak en waarom bepaalde kunst mooi aanvoelt.
Tot slot verandert het aandeel van de kijker met de tijd. Een kunstwerk dat je bij je verhuizing niet begreep, kan drie jaar later het werk worden waar je het meest aan gehecht bent, omdat jouw aandeel erin is aangevuld met nieuwe herinneringen. Dat effect wordt uitgebreider beschreven in onze tekst over het mere-exposure-effect en de kunst die je leert waarderen. Het is ook een reden om een schilderij niet na drie weken al te vervangen, alleen omdat het moeilijk te begrijpen lijkt.
Veelgestelde vragen over abstracte kunst en het aandeel van de kijker
Riegl had geen MRI-scanner. Hij had Nederlandse groepsportretten, een scherp oog en het vermoeden dat het beeld en de toeschouwer samen het werk doen. Ruim honderdtwintig jaar later is dat vermoeden met meetgegevens onderbouwd. Wat dit voor jou bruikbaar maakt, is de conclusie: de belangrijkste eigenschap van de kunst aan je muur is niet hoe kostbaar die is, maar hoeveel ruimte ze je geeft om er zelf iets in te leggen. Ontdek onze abstracte motieven en de werken van bekende kunstenaars, en lees gerust verder in onze gids voor abstracte posters voordat je een keuze maakt. De studies zijn volledig te lezen bij PNAS en samengevat bij Columbia's Zuckerman Institute.