Op 14 oktober 2026 opende Tate Modern in Londen "Light & Magic: The Birth of Art Photography", een tentoonstelling die laat zien dat fotografie ooit probeerde eruit te zien als schilderijen, etsen en tekeningen. Tweehonderd zeldzame originele afdrukken van meer dan tachtig fotografen uit Europa, Noord- en Zuid-Amerika, Azië en Australië zijn te zien tot en met 21 februari 2027. Voor wie overweegt thuis een fotografische poster op te hangen, biedt de tentoonstelling een snelle kennismaking met een beeldwereld waarin nevel, zacht licht en compositie zwaarder wegen dan scherpe details. In deze gids bespreken we wat er te zien is, welke namen de moeite waard zijn om te kennen en hoe je fotomotieven in dezelfde geest voor aan je muur vindt.
In het kort: "Light & Magic" is te zien van 14 oktober 2026 tot en met 21 februari 2027 in de Eyal Ofer Galleries van Tate Modern en wordt omschreven als de eerste grote tentoonstelling die het picturalisme onderzoekt als wereldwijde fotografische beweging, van de jaren 1880 tot de jaren 1960. Er zijn 200 originele afdrukken van meer dan 80 fotografen te zien, verdeeld over vier afdelingen. De tentoonstelling is samengesteld door Charmaine Toh en Genevieve Barton. Het persbericht werd gepubliceerd op 27 juli 2026.
Vier afdelingen, één betoog: fotografie was kunst lang voordat musea dat erkenden
Het picturalisme was de beweging van fotografen die vanaf de jaren 1880 betoogden dat een beeld net zo persoonlijk en expressief kon zijn als een schilderij. Ze creëerden licht, zachtheid en sfeer door papier te kiezen, het negatief te bewerken en met de hand af te drukken. Tate Modern deelt de tentoonstelling in vier delen in, en die indeling zegt iets over hoe de beweging zich verspreidde.
De eerste afdeling, Emergence, gaat over het ontstaan aan het einde van de 19e eeuw. Hier zijn werken te zien van Adolph de Meyer, Clarence H. White, Long Chin-san, Luo Bonian en Shapoor N. Bhedwar, en twee werken springen er in het bijzonder uit: Emma Bartons The Awakening uit 1903 en Long Chin-sans Pavilion Fairyland uit ongeveer de jaren 1940. Al hier is te zien dat de beweging niet uitsluitend westers was. De tweede afdeling, over fotografisch drukken, bevat Peter Henry Emersons A Norfolk Boat-Yard uit 1886, een werkende donkere kamer, portretten van Bertram Park, Yvonne Gregory en Cavendish Morton, en Yevondes kleurendrukken uit de serie Goddesses.
De derde afdeling gaat over verenigingen, fotoclubs en salons: de Royal Photographic Society in Londen, Guangshe in Shanghai, The New Line Group in Zuid-Korea en de Photographic Society of Singapore. Ook zijn er publicaties te zien, zoals Camera Work, het Japanse tijdschrift Shashinkai uit de jaren 1920 en het Sovjetblad USSR in Construction uit de jaren 1930. De vierde afdeling, over picturalisme en modernisme, bevat Lionel Wendts gesolariseerde portretten uit de jaren 1930, Shigeru Onishi's composities uit de jaren 1950 en werken van Edward Steichen, Paul Strand en Edward Weston, waaronder Steichens Primo Carnera van rond 1922 en Strands Miss Thomson, New Mexico uit ongeveer hetzelfde jaar.
Emerson 1886 en Steichen 1922: van het gereedschap van de schilder naar de scherpe lijn van het modernisme
Tussen Emersons A Norfolk Boat-Yard en Steichens Primo Carnera ligt ongeveer veertig jaar, en die boog vormt het eigenlijke verhaal van de tentoonstelling. In de jaren 1880 wilden fotografen als Emerson laten zien dat de camera kon kijken als een oog, niet als een machine. Ze fotografeerden landschappen, rivieren en scheepswerven in nevel en mist, en drukten af op zacht papier, zodat de tonen in elkaar overvloeiden. In de jaren 1920 was dezelfde beweging uiteengevallen: sommige fotografen bleven de zachte, schilderachtige kant op gaan, anderen, zoals Strand en Weston, kozen voor het strakke, scherpe en modernistische.
Tate Modern brengt beide samen in dezelfde tentoonstelling, en dat is een slimme keuze. Het laat zien dat scherpe en zachte fotografie geen tegenpolen zijn, maar twee takken van dezelfde boom. Voor wie nadenkt over de eigen muur is dat een praktisch inzicht. Je hoeft niet te kiezen tussen een scherp zwart-witportret en een mistig bosbeeld; vaak komen ze het best tot hun recht samen, zolang ze een vergelijkbare toonschaal en lijst hebben.
"De zachte foto is geen mislukte scherpe foto – het is een keuze om het licht meer te laten spreken dan de details."
Yevondes godinnen, het paviljoen van Long Chin-san en Wendts solarisatie: kunstfotografie voorbij zwart-wit
Wat het meest verrast aan de opstelling van Tate is hoeveel van de beweging buiten valt wat we doorgaans de geschiedenis van de fotografie noemen. Yevondes serie Goddesses, afgedrukt met het Vivex-kleurprocedé, laat zien dat kleurenfotografie in de jaren 30 al theatraal en verzadigd kon zijn. Long Chin-sans Riverside Spring uit 1942, die Tate als persbeeld gebruikt, is een landschap gecomponeerd als een Chinese inkttekening; het beeld draait om de balans tussen bergen, water en nevel. Lionel Wendt gebruikte solarisatie, een techniek waarbij het beeld tijdens het ontwikkelen deels opnieuw wordt belicht, om de portretten een metaalachtige, bijna onwerkelijke glans te geven.
Dat biedt een nuttig inzicht in de keuze van fotografische onderwerpen: fotografie is niet alleen zwart-wit en documentair. Wil je iets met meer warmte dan een klassieke stadsfoto, dan kun je zoeken naar onderwerpen met een sepia-tint, nevel of een kleurverzadiging die best een beetje overdreven mag zijn. In onze collectie fotokunst vind je van alles, van scherpe landschappen tot zachtere sfeerbeelden, en in retro- en vintageposters vind je beelden met het historische patina waar de pictorialisten zelf naar streefden.
Zacht licht aan de muur: zo kies je fotografische motieven met een schilderachtige sfeer
Als je fotografie in deze stijl wilt ophangen, zijn er een paar dingen waar je op kunt letten. Om te beginnen de toonschaal: afbeeldingen met veel middentonen, zoals grijs, sepia, warm beige of gedempt groen, blijven in een ruimte langer mooi dan motieven met harde contrasten, waar je al snel op uitgekeken raakt. Kijk vervolgens naar de compositie: de picturalisten componeerden als schilders, met een duidelijke voorgrond, middengrond en achtergrond, en een horizon die zelden midden in beeld staat. Ook vandaag is dat een goede vuistregel.
Natuurmotieven en nevel
Landschappen met mist, water of avondlicht sluiten het meest aan bij de wereld van Emerson en Long Chin-san. Zulke motieven brengen rust in druk gebruikte ruimtes, zoals woonkamers en werkkamers, en zijn heel geschikt als enkele grote poster van 50×70 centimeter. Bij natuurmotieven vind je volop afbeeldingen die op dezelfde principes zijn gebaseerd: een horizon in het onderste derde deel, zacht licht en weinig details die de aandacht trekken.
Portretten en figuren
De studiportretten van Bertram Parks en Yvonne Gregory laten zien hoeveel sfeer één gezicht in zacht licht kan uitstralen. Zulke motieven komen het best tot hun recht in een hal of slaapkamer, waar één figuur in halfprofiel de ruimte een stille aanwezigheid kan geven. Kies bij voorkeur een staand formaat, zoals 40×50 of 50×70 centimeter, en laat de persoon op de afbeelding uit beeld kijken in plaats van recht naar de toeschouwer; dat geeft een rustiger resultaat dan oogcontact. Meer ideeën voor zwart-witfotokunst vind je bij onze zwart-witposters.
Tip: Kies een brede passe-partout, van minstens vijf centimeter, rond fotografische motieven met zachte tinten. Het witte vlak geeft de afbeelding ruimte en herinnert aan de manier waarop de originele afdrukken van de picturalisten in salons werden tentoongesteld. Bij sepia en grijs past een gebroken witte passe-partout beter dan helderwit.
Camera Work, Shashinkai en USSR in Construction: tijdschriften die een beeldstijl wereldwijd verspreidden
Een van de interessantste onderdelen van de tentoonstelling laat zien hoe de beelden werden verspreid. Het picturalisme was een beweging die leefde in gedrukte tijdschriften, fotoclubs en tentoonstellingssalons, lang voordat er sociale media bestonden. Tate toont Camera Work, het Amerikaanse tijdschrift dat een etalage werd voor de mooiste beelden van de beweging, maar ook het Japanse Shashinkai uit de jaren 1920 en het Sovjetblad USSR in Construction uit de jaren 1930. Dat laatste voorbeeld is veelzeggend: dezelfde kijk op compositie, licht en ritme die de picturalisten cultiveerden, kon voor heel andere doeleinden worden gebruikt, zelfs voor staatspropaganda.
De salons waren de drijvende kracht achter de beweging. In Londen kwamen fotografen samen in de Royal Photographic Society, in Shanghai in Guangshe, in Zuid-Korea in The New Line Group en in Singapore in de Photographic Society of Singapore. Het is interessant om te zien hoe dezelfde esthetische idealen lokale varianten kregen, met Chinese landschapsmotieven, Britse rivierlandschappen en Amerikaanse stadsgezichten. Voor ons in Zweden valt daar iets van te leren: een stijl kan reizen, maar komt het meest tot leven wanneer ze een eigen landschap krijgt om zich in te spiegelen. Daarom passen Zweedse bos- en meermotieven met nevel en avondlicht uitzonderlijk goed binnen de traditie.
Drie kamers, drie motieven: zo vertaal je het picturalisme naar een gewone Zweedse woning
In de woonkamer werkt een groot landschap in de mist goed, bij voorkeur liggend en in 70×100 centimeter of 50×70 centimeter, boven de bank of een lange ladekast. Kies een foto waarop de lucht ongeveer de helft van het beeld beslaat; dat geeft rust en laat de kamer hoger lijken. In de slaapkamer past een ingetogen portret of een natuurdetaillering van dichtbij, bijvoorbeeld een tak of een moeras bij zonsopgang, in een kleiner formaat. Zachte tinten zijn hier bijzonder waardevol, omdat ze geen gedachten oproepen wanneer je gaat slapen.
In de hal of het trappenhuis werkt een serie van drie kleine foto’s in hetzelfde toonbereik goed. Een kleine reeks in 21×30 centimeter met een brede passe-partout geeft de indruk van een privécollectie, ongeveer zoals een fotograaf zijn beste afdrukken in een map laat zien. Houd hetzelfde lijsttype en dezelfde tussenruimte aan, ongeveer vier tot zes centimeter, zodat het oog de serie als één geheel ziet. Begin je met slechts één foto, dan kun je die later altijd aanvullen, zolang je hetzelfde papieroppervlak en dezelfde lijstkleur aanhoudt. Het is een goedkope manier om in de loop der tijd een wand op te bouwen: koop nu één foto, nog een in het voorjaar en laat de tinten de leidraad zijn in plaats van de motieven. Zo vormt het resultaat een samenhangend geheel, ook als de foto’s van verschillende fotografen en uit verschillende jaren komen.
Papier, lijst en licht voor fotografische motieven
Fotoafdrukken zijn gevoeliger voor het oppervlak van het papier dan schilderijen. Mat, gestructureerd papier geeft de zachte tonen de uitstraling van een platina-afdruk, terwijl glanzend papier mist en schaduwen harder maakt dan de fotograaf bedoelde. Kies voor mat. De lijst moet dun en eenvoudig zijn: een smalle eiken- of essen lijst voor sepia en warme tinten, zwart metaal voor grijstinten en koel zwart-wit. Houd lampen op afstand, zodat het licht niet op het oppervlak weerkaatst.
Wil je meer lezen over de achtergrond van fotografie als kunstvorm? In onze blog vind je twee nuttige verdiepende artikelen: 200 jaar fotografie gaat over Niépces eerste beeld en het jubileumjaar, en Elliott Erwitt – zwart-witfotokunst laat zien wat er gebeurde toen fotografie later documentair en humoristisch werd. Wil je de presentatie van de tentoonstelling zelf lezen, kijk dan op het persbericht van Tate en de pagina van de tentoonstelling bij Tate Modern.
Veelgestelde vragen over Light & Magic en het picturalisme
Benieuwd hoe zachte fotomotieven in jouw kamer staan? Ontdek ons assortiment fotokunst en kies het formaat, de lijst en het passe-partout die bij jouw muur passen.