Op 1 juni 2026 zou Marilyn Monroe honderd jaar zijn geworden. Ter gelegenheid van de eeuwgrens opent de National Portrait Gallery in Londen op 4 juni de tentoonstelling "Marilyn Monroe: A Portrait", die tot 6 september 2026 te zien is. Het is een van de meest besproken kunstgebeurtenissen van het jaar, samengesteld in samenwerking met de nalatenschap van Monroe. Hier staat geen filmster centraal, maar een van de meest afgebeelde mensen van de twintigste eeuw. De tentoonstelling stelt een vraag die iedereen aangaat die een poster voor thuis uitkiest: wie is eigenlijk de eigenaar van een beeld? Marilyn regisseerde haar eigen uitstraling in hoge mate, terwijl haar gezicht tegelijk lang na haar dood grondstof werd voor kunstenaars. Die spanning vormt de kern van de popart - en verklaart waarom haar portretten nog altijd aan muren over de hele wereld hangen.
In het kort: Marilyn Monroe werd op 1 juni 1926 in Los Angeles geboren als Norma Jeane Mortenson en stierf in augustus 1962. De honderdstentoonstelling "Marilyn Monroe: A Portrait" is van 4 juni tot en met 6 september 2026 te zien in de National Portrait Gallery in Londen. De tentoonstelling brengt werk samen van onder anderen Andy Warhol, Pauline Boty, Marlene Dumas en Audrey Flack, naast foto's van meer dan twintig fotografen - van Cecil Beaton en Richard Avedon tot Eve Arnold en Milton Greene.
Wat de tentoonstelling laat zien - en waarom die er nu toe doet
"Marilyn Monroe: A Portrait" is geen verzameling filmposters. De tentoonstelling is gebaseerd op het idee dat Monroe medeschepper was van haar eigen beeld, en niet slechts een passief onderwerp. Ze belicht haar nauwe samenwerking met fotografen als Milton Greene, Sam Shaw en Richard Avedon, en laat zien hoe ze licht, pose en expressie regisseerde om de uitstraling te vormen waaraan de wereld haar herkent. Naast de foto's hangen werken van beeldend kunstenaars die haar hebben geïnterpreteerd, van Andy Warhols felrode en groene zeefdrukken tot de meer kritische portretten van Pauline Boty en Marlene Dumas.
Een van de meest aangrijpende onderdelen van de tentoonstelling is een reeks foto's die fotograaf Allan Grant de dag voor haar dood in Monroes huis in Brentwood maakte, oorspronkelijk voor het tijdschrift Life. Van de 432 foto's werd slechts een handvol gepubliceerd. In de intieme reeks leest ze, denkt ze na en verandert ze van uitdrukking, ver weg van de schijnwerpers. Dat de tentoonstelling juist in 2026 opent, is geen toeval - haar honderdste geboortedag is aanleiding om te vragen waarom een vrouw die meer dan zestig jaar geleden stierf nog altijd een van de meest gereproduceerde gezichten op aarde is. Het antwoord gaat minder over film en meer over beeld: over hoe een portret zich kan losmaken van de persoon en een eigen culturele valuta kan worden.
De verscheidenheid onder de fotografen zegt veel over de gelaagdheid van haar uitstraling. De beroemde foto van Sam Shaw waarop haar witte jurk wordt opgetild door de luchtstroom uit het metrorooster, genomen tijdens de opnamen van de film The Seven Year Itch in 1954, werd meteen een symbool van de levensvreugde van een heel tijdperk. Eve Arnold, een van de eerste vrouwelijke leden van het fotobureau Magnum, volgde haar daarentegen jarenlang en legde een bedachtzame, werkende vrouw vast in plaats van een pin-up. Philippe Halsman liet haar voor de camera springen, terwijl Richard Avedon haar in scène zette als filmdiva's uit andere tijden. Samen laten de foto's zien dat er nooit maar één Marilyn was, maar een heel scala aan uitdrukkingen dat zij en de fotografen in samenspraak ontwikkelden. Dat inzicht – dat een gezicht zowel uitbundige levensvreugde als stille ernst kan uitstralen – maakt het zo fijn om haar aan de muur te hebben.
Warhol, de popart en het gezicht dat een patroon werd
Niemand heeft meer gedaan om Marilyn tot kunst te maken dan Andy Warhol. Slechts enkele weken na haar dood in 1962 begon hij te werken met een persfoto uit de film Niagara uit 1953, en het resultaat werd een van de beroemdste werken uit de popart. In Marilyn Diptych herhaalde hij hetzelfde gezicht vijftig keer – links in schreeuwende kleuren, rechts in vervagend zwart-wit, totdat het beeld bijna oplost. Het werk is tegelijkertijd een eerbetoon en een commentaar: beroemdheid als een drukpers die een gezicht vermenigvuldigt totdat het zijn levenslust verliest.
Hier zegt de popart iets diepzinnigs over onze eigen tijd. Warhol en zijn tijdgenoten haalden hun onderwerpen uit reclame, verpakkingen en afbeeldingen van beroemdheden, en ze beweerden dat het alledaagse, massaal gedrukte beeld net zo goed een plek aan de muur verdiende als een klassiek olieverfschilderij. Juist die gedachte maakte de weg vrij voor het idee dat een gedrukte poster echte kunst kan zijn, geen goedkope vervanging ervoor. Wanneer je een popartposter met een bekend gezicht ophangt, doe je in de praktijk precies wat Warhol bepleitte: je laat het gereproduceerde beeld betekenis dragen.
"Marilyn regisseerde haar eigen portret toen ze nog leefde – en werd na haar dood het onderwerp dat ons leerde dat een massaal gedrukt beeld kunst kan zijn."
Warhols methode was even belangrijk als zijn onderwerpen. Door zeefdruk te gebruiken, een techniek die hij ontleende aan de reclame- en textielindustrie, kon hij hetzelfde beeld steeds opnieuw afdrukken, met kleine verschuivingen in kleur en uitlijning. Die onregelmatigheden – een lip die verschuift, een kleur die naast de contour terechtkomt – zijn geen fouten, maar juist de bedoeling. Ze herinneren ons eraan dat het beeld slechts een beeld is, gedrukt en gereproduceerd, en geven elke afdruk een eigen leven, ook al is het onderwerp identiek. Dat is een gedachte om mee naar huis te nemen: een gedrukte poster hoeft niet te doen alsof het een uniek olieverfschilderij is om waardevol te zijn, maar heeft zijn eigen soort schoonheid in de reproductie.
De doorbraak van de popart verklaart ook waarom zoveel van de grafische beeldtaal van vandaag eruitziet zoals die eruitziet. De dikke contour, het vlakke kleurvlak, de bewuste herhaling – dat gaat allemaal terug op de breuk met de hoge cultuur in de jaren zestig. Roy Lichtenstein haalde zijn motieven uit stripverhalen, Warhol uit soepblikken en beroemdheden, en de grens tussen het commerciële en het artistieke vervaagde voorgoed. Wil je begrijpen hoe die esthetiek voortleeft in mode en attitude, dan is ons artikel over fashionposters een goed vervolg. En voor wie houdt van de tijdgeest in oudere prints, biedt de gids voor retro- en vintageposters zowel kennis van het tijdperk als concrete tips voor motieven.
Van Londen naar jouw muur – motieven en stijlrichtingen om mee aan de slag te gaan
Je hoeft niet naar Londen te reizen om het jubileum mee te vieren. De tentoonstelling is eerder een herinnering aan drie duidelijke beeldstijlen, die elk een plekje in huis kunnen vinden. De eerste is de popart zelf: gedurfde, kleurrijke portretten in de geest van Warhol, passend bij wie een motief met energie en een knipoog zoekt. De tweede is de zwart-witte elegantie van modefotografie, waarin het contrast tussen huid, stof en schaduw het hele beeld draagt. De derde is de speelse glamour van de jaren vijftig en zestig, een tijdperk waarvan de vormentaal nooit echt uit de mode is geraakt.
Voor wie tot het eerste spoor wordt aangetrokken, is een poster uit onze popartcategorie een vanzelfsprekend vertrekpunt, bij voorkeur met een sterke kleur die de toon zet in de kamer. Spreekt tijdloze elegantie je juist meer aan, dan is een zwart-witposter een veiligere keuze – hij veroudert niet en past bij vrijwel elk interieur. En wie de hele tijdgeest wil vangen, doet er goed aan een kijkje te nemen tussen de retro- en vintageposters, waarin de stijl van de jaren vijftig en zestig voortleeft. Een vierde richting, voor modeliefhebbers, is natuurlijk onze fashionposters, die de attitude van de popart overnemen, maar die richten op mode en stijl.
Tip: Een popartportret mag – en wil – gezien worden. Hang het alleen aan een opvallende muur in de hal, slaapkamer of werkkamer, waar het het middelpunt van gesprekken wordt, in plaats van het tussen een dichtbevolkte galerijwand te klemmen. Kies je een kleurrijk motief, laat dan een van de tinten terugkomen in een textiel of detail in de kamer, zodat het beeld met het interieur wordt verbonden in plaats van los te zweven.
De kleurkeuze verdient extra aandacht. Warhols Marilyn leefde van het contrast tussen een warme huidskleur en een onverwachte achtergrondkleur – roze tegenover geel, turquoise tegenover oranje. Wil je diezelfde energie in huis halen, kies dan een motief met een achtergrond die durft op te vallen, en houd de muur eromheen neutraal, zodat de kleur ongehinderd kan knallen. Geef je de voorkeur aan rust, kies dan voor zwart-wit, waarbij alles draait om hoe het licht het gezicht vormgeeft. Beide benaderingen passen bij het thema van de tentoonstelling, omdat ze juist het verschil weerspiegelen tussen de publieke, kleurrijke icoon en de privé, bedachtzame vrouw die de fotografen vastlegden.
Wat het formaat betreft, komt een los portret goed tot zijn recht als het de ruimte krijgt. Een poster van 50x70 of 70x100 geeft het gezicht de schaal die het verdient, en een eenvoudige zwarte of witte lijst versterkt de grafische uitstraling zonder af te leiden. Wil je een paar dat bij elkaar past, dan kun je een kleurrijk popartmotief combineren met een zwart-witfoto van hetzelfde formaat – een dialoog tussen glamour en ernst die mooi de dubbelzinnigheid weerspiegelt waar de hele tentoonstelling in Londen om draait. Lees meer over hoe je zwart-witmotieven thuis laat stralen in onze koopgids voor zwart-witposters.
Veelgestelde vragen over de Marilyn Monroe-tentoonstelling en popart in huis
Het honderdjarig jubileum is een mooi moment om na te denken over wat je zelf aan de muur wilt hangen: de speelse kleur, de tijdloze zwart-witte elegantie of de vanzelfsprekende stijl van het retrotijdperk. Bekijk ons volledige aanbod popartposters en fashionposters, lees meer over de tentoonstelling zelf bij National Portrait Gallery of verdiep je in Warhols werk bij Museum of Modern Art.