In het Nasjonalmuseet in Oslo is het woord "Woman" doorgestreept in de titel van de tentoonstelling. Wat overblijft is Painter, en dat is precies de bedoeling: van 8 oktober 2026 tot 7 februari 2027 zijn 51 schilderijen te zien van 19 kunstenaars die tussen 1550 en 1650 in Noord-Europa en Italië werkten. Ze worden gepresenteerd als beroepsschilders, niet als uitzonderingen. Voor wie op zoek is naar een poster met diepgang, licht en een verhaal erachter, biedt de tentoonstelling een snelle kennismaking met een hoofdstuk uit de kunstgeschiedenis dat lange tijd onderbelicht bleef. Dit is wat er te zien is, waarom het ertoe doet en hoe de motieven van deze schilders een plek in huis kunnen krijgen.
In het kort: Woman Painter is van 8 oktober 2026 tot 7 februari 2027 te zien in het Nasjonalmuseet in Oslo en bestaat uit 51 schilderijen van 19 kunstenaars, gemaakt tussen 1550 en 1650. De tentoonstelling is samengesteld in samenwerking met de Galleria Borghese in Rome, waar ze van 15 maart tot 30 mei 2027 te zien is. De bruiklenen komen onder meer van het Rijksmuseum, de Uffizi en het Nationalmuseum in Stockholm. Een stilleven uit de eigen collectie van het Nasjonalmuseet wordt voor het eerst getoond als een werk van Clara Peeters.
Een doorgestreept "Woman": de tentoonstelling die een einde wil maken aan het praten over uitzonderingen
De titel zegt eigenlijk al genoeg. Door het woord "Woman" door te strepen, wil het Nasjonalmuseet laten zien dat deze kunstenaars geen curiositeiten waren, maar volwaardig deel uitmaakten van het Europese kunstleven. In de tentoonstelling ontmoeten we onder anderen Sofonisba Anguissola (circa 1530–1625), Lavinia Fontana (1552–1614), Artemisia Gentileschi (1593 tot circa 1654), Clara Peeters (circa 1585 tot circa 1655), Michaelina Wautier (1604–1689) en Judith Leyster (1600 of 1610–1660). Het zijn zes namen met heel verschillende achtergronden, maar ze hebben één ding gemeen: ze kregen betaald, bouwden een reputatie op en kregen opdrachten.
De tentoonstelling heeft een bijzondere Noordse dimensie. Het museum vestigt tegelijkertijd de aandacht op de Noorse portretschilderes uit de 19e eeuw Asta Nørregaard, en onder de internationale bruiklenen bevinden zich werken uit het Nationalmuseum in Stockholm. Dat betekent dat wie naar Oslo reist, Zweedse collecties in een nieuwe context kan zien. Wie niet reist, kan de gedachte toch mee naar huis nemen: een schilderij hoeft niet door een bekende man te zijn gesigneerd om het waard te zijn om op te hangen.
De tentoonstelling bevat bovendien een detectiveverhaal. Een stilleven uit de eigen collectie van het museum, Stilleven met klein wild en druiven op een vergulde tazza uit circa 1620, wordt nu voor het eerst getoond als een werk van Clara Peeters. De nieuwe toeschrijving is gebaseerd op onderzoek van curator Cynthia Osiecki. Eén enkele penseelstreek van de ene naam naar de andere kan veranderen hoe een kunstwerk wordt gelezen, en hoeveel we begrijpen van degene die het heeft geschilderd.
Clara Peeters en het mes met haar naam erop: het stilleven als signatuur
Als er één kunstenaar in de tentoonstelling geschikt is voor kunst aan de muur thuis, dan is het Clara Peeters. Ze verbleef in Amsterdam in 1611 en in Den Haag in 1617 en geldt als een van de eerste schilders van stillevens met voedsel. Haar eerste bekende gesigneerde en gedateerde schilderij dateert uit 1607. Ze heeft 31 werken gesigneerd en nog eens 76 worden met wisselende zekerheid aan haar toegeschreven. In het Prado bevindt zich een reeks van vier grote stillevens, waarvan er drie uit 1611 dateren en die toebehoorden aan de Spaanse koninklijke familie. Daartoe behoort mogelijk het oudste bekende stilleven met dood wild.
Het meest zeldzame procédé is echter de manier waarop ze zichzelf in het beeld verbergt. Op verschillende van haar schilderijen is haar naam gegraveerd op het heft van een versierd huwelijksmes van het type dat Antwerpse zilversmeden rond 1595-1600 maakten. In de glanzende oppervlakken van bekers en vergulde schalen is bovendien een klein portret van de schilderes zelf te zien, weerspiegeld in het metaal. Het is een traditie die teruggaat op Nederlandse meesters, maar Peeters maakte er haar handelsmerk van. In feite zei ze: ik sta hier, midden in het beeld, tussen de kaas en de aalbessen.
"Clara Peeters signeerde haar stillevens met een mes en haar eigen gezicht in een zilveren beker - een van de stilste manieren in de kunstgeschiedenis om te zeggen: ik was hier."
De markt heeft het begrepen. Peeters' veilingrecord is een bloemstilleven uit 1612, Rozen, lelies, een iris en andere bloemen in een aardewerken vaas, dat op 10 juni 2022 bij Christie's in New York werd verkocht voor een hamerprijs van 1,2 miljoen dollar, of 1,5 miljoen inclusief kosten. Volgens Artprice heeft ze 49 openbare veilingverkopen gehad, de eerste in 1987 en de meest recente in 2025. Die cijfers laten zien dat een naam die ooit bijna verdween, nu wordt gewaardeerd als een van de belangrijkste uit de barok. Meer over haar leven en werk is te vinden op de Wikipedia-pagina over Clara Peeters.
Dat het Nationalmuseum in Stockholm de werken uitleent, zegt ook iets over Zweedse collecties. Barokke vrouwelijke schilders zijn al die tijd in onze musea aanwezig geweest, maar vaak onder andere namen of helemaal naamloos. De herattributie van Peeters' stilleven in Oslo is een voorbeeld van hoe onderzoek een werk uit de anonimiteit kan halen en het een duidelijke maker kan geven. Dat werk vindt op dit moment op veel plaatsen in Europa plaats.
Voor wie kunst verzamelt of gewoon iets wil ophangen dat jarenlang meegaat, is het goed om op te merken wat er gebeurt wanneer een verhaal verandert. Beelden die eerder werden toegeschreven aan kunstenaars van de tweede rang, worden opnieuw onder de aandacht gebracht en tentoongesteld, en raken weer in trek. Die belangstelling is merkbaar bij zowel musea als interieurontwerpers. Dat is een goede reden om zorgvuldig een onderwerp te kiezen, in plaats van alleen tijdelijke trends te volgen.
Artemisia, Sofonisba en Judith: drie manieren om in de 17e eeuw een plek op te eisen
Artemisia Gentileschi schilderde Susanna en de oude mannen in 1610, op 17-jarige leeftijd, en het is haar vroegst bewaard gebleven werk. Haar Judith onthoofdt Holofernes bestaat in meerdere versies: de eerste, uit 1612–1613, bevindt zich in Capodimonte in Napels en de tweede, geschilderd tussen 1614 en 1620, in de Uffizi in Florence. Zij was de eerste vrouw die lid werd van de kunstacademie Accademia delle Arti del Disegno in Florence. Haar onderwerpen zijn dramatisch, lichamelijk en direct. Ze hebben nieuw leven gekregen binnen het moderne feminisme, maar zijn ook meesterlijke lessen in lichtbehandeling.
Sofonisba Anguissola, de oudste van het gezelschap, verwierf een positie die haar uniek maakte in haar tijd. Haar portretten van familie en het hof tonen mensen midden in het dagelijks leven: een lach, spelende broers en zussen, een blik die de kijker ontmoet. Judith Leyster, die actief was in Haarlem, staat bekend om haar vrolijke gezelschapsscènes, waarin muzikanten en drinkebroers lijken te zijn blijven steken midden in een zin. Je kunt de Hollandse school verder ontdekken in onze gids over Hals en Rembrandt in Haarlem, waarin de tijdgenoten van Leyster centraal staan.
Wat ze allemaal gemeen hebben, is dat ze werkten in een wereld die niet voor hen was gemaakt, en dat hun werken desondanks zijn blijven bestaan. Dat is een sterke basis voor een poster: het beeld vertelt het verhaal van hoe het is ontstaan, en dat verhaal komt mee de kamer in.
Van Peeters’ bankettafel naar jouw eethoek: stillevens als poster
Stilleven is een van de weinige genres die bijna overal in huis tot zijn recht komen. Dat komt doordat de onderwerpen alledaags zijn: fruit, vis, kaas, brood, bloemen, glaswerk. In een keuken of bij een eettafel vormt een schilderij van een gedekte tafel een natuurlijk verlengstuk van wat er in de kamer gebeurt. Peeters’ bijzondere stijl, met een donkere achtergrond en fel licht op metaal en fruit, zorgt ervoor dat haar werken ook goed passen in ruimtes die verder weinig daglicht hebben.
We hebben geschreven over hoe stillevens met kleur en licht kunnen spelen in de gids over Zurbaráns citroenen in het Louvre, en veel daarvan geldt ook hier. Een donkere achtergrond met een fel verlicht motief komt het best tot zijn recht met een smalle houten lijst of zwarte lijst, en eventueel een subtiele passe-partout die de lichte delen van het beeld accentueert. Hedendaagse bloemstillevens, met rozen en lelies in een vaas, vind je tussen onze posters met bloemmotieven.
Tip: Hang je een stilleven in de eetkamer op? Plaats het beeld zo dat het midden ongeveer 145 centimeter boven de vloer hangt, maar hang het iets lager als jullie meestal zittend dineren. Het licht van een lamp boven de tafel laat de donkere delen van het barokschilderij gloeien.
Concrete keuzes: motief, formaat en ruimte voor vrouwen uit de barok
Wie iets van de tentoonstelling mee naar huis wil nemen, kan beginnen met bedenken welke kamer een verhaal nodig heeft. De keuken en eetkamer zijn de aangewezen plekken voor stillevens. Hier vind je meer ideeën tussen onze keukenschilderijen en onze citrus- en fruitposters. Fruit in fel licht tegen een donkere achtergrond is precies het soort motief waarmee Peeters, Zurbarán en hun navolgers een eigen genre schiepen.
Portretten vragen wat meer aandacht. Een portret van een vrouw uit de 16e of 17e eeuw heeft een andere uitstraling dan een stilleven, omdat de blik de toeschouwer ontmoet. In een woonkamer of hal komt het portret het best tot zijn recht als het op ooghoogte hangt en een eigen muur krijgt, of als onderdeel van een galerijwand waarin meerdere beelden met elkaar in gesprek zijn. Als je oudere motieven met nieuwere wilt combineren, kun je bladeren door kunstwerken van bekende kunstenaars en beelden vinden met een gemeenschappelijk kleurenpalet, bijvoorbeeld warme aardetinten en diep groen.
Qua formaat is 50x70 centimeter een veilige keuze voor stillevens en portretten, terwijl 30x40 past bij een galerijwand waar meerdere motieven samenkomen. Een groot formaat van 70x100 kan een stilleven bijna tastbaar maken: het fruit krijgt zijn werkelijke grootte en de kamer verandert in een bankettafel. Houd er rekening mee dat de donkere achtergronden uit de barok veel van hun effect verliezen als de ruimte sterk tegenlicht heeft. Hang het beeld op een plek waar het daglicht er schuin op valt, zodat het oppervlak niet reflecteert.
Een andere inspiratiebron is onze gids over Eva Gonzalès in het Petit Palais, waar een andere vergeten schilderes opnieuw wordt ontdekt. Beide tentoonstellingen delen de gedachte dat vergeten vrouwen uit de kunstgeschiedenis een plek aan de muur verdienen, niet alleen in de voetnoten. Wil je de prijzen en veilinggeschiedenis van Peeters volgen, lees dan het volledige artikel van Artprice over de tentoonstelling.
Veelgestelde vragen over Woman Painter en vrouwelijke schilders uit de barok
De tentoonstelling in Oslo herinnert eraan dat de kunstgeschiedenis altijd meer vrouwelijke schilders heeft gekend dan de leerboeken vermelden. Ontdek kunstwerken van bekende kunstenaars, posters voor de eetkamer en fruitmotieven om een afbeelding te vinden met een echt verhaal, en geef die een plek waar jullie elke dag samenkomen.