Op 23 april 2026 opende het Nationalmuseum in Stockholm een tentoonstelling die twee keramisten samenbrengt over een halve eeuw en een halve aardbol heen: ‘Wilhelm Kåge & Shōji Hamada. Keramiek over grenzen’. Op de tussenverdieping staat de grootste ontwerper van Gustavsberg naast de vaandeldrager van de Japanse volkskunstbeweging, en in die ontmoeting ligt de sleutel tot de interieurstijl die de afgelopen jaren Zweedse muren heeft gevormd. Voor wie zich aangetrokken voelt tot een poster in de rustige, aardse geest van japandi, is deze tentoonstelling meer dan een culturele gebeurtenis – het is het oorsprongsverhaal van de stijl, verteld in klei en glazuur. We nemen je mee langs de ontmoeting en de achtergrond, en laten zien hoe je dit vertaalt naar kunst aan je eigen muur.
In het kort: ‘Wilhelm Kåge & Shōji Hamada. Keramiek over grenzen’ is te zien op de tussenverdieping van het Nationalmuseum van 23 april 2026 tot en met 10 januari 2027. De tentoonstelling omvat meer dan tweehonderd objecten uit de collectie van het Nationalmuseum en zo'n honderd werken in bruikleen van onder meer het Nihon Mingeikan in Tokio en het Shōji Hamada-museum in Mashiko. Na Stockholm reist de tentoonstelling in het voorjaar van 2027 verder naar de Bard Graduate Center Gallery in New York.
Wat de tentoonstelling laat zien – en waarom juist deze ontmoeting ertoe doet
De kern van de tentoonstelling is een verwantschap die geen van beide kunstenaars heeft gepland. Wilhelm Kåge (1889–1960) was de kunstenaar en ontwerper die de porseleinfabriek van Gustavsberg naar internationaal niveau tilde, terwijl Shōji Hamada (1894–1978) een van de leidende figuren werd binnen mingei, de Japanse beweging voor ambachtelijke gebruiksvoorwerpen voor alledag. Ze werkten los van elkaar, in verschillende culturen, maar deelden één overtuiging: schoonheid en functionaliteit hoorden bij elkaar, en mooie gebruiksvoorwerpen moesten voor iedereen zijn, niet alleen voor een select groepje.
Dat hun namen überhaupt in één adem worden genoemd, is geen verzinsel van het museum. Toen de New York Times in 1958 een Kåge-tentoonstelling in New York recenseerde, rekende de krant hem tot de drie grootste keramisten ter wereld – samen met juist Hamada en de Brit Bernard Leach. Dat het Nationalmuseum nu twee van die drie onder één dak samenbrengt, is daarom een cultuurhistorisch statement en geen toevallige combinatie.
De bezoeker wordt geconfronteerd met een uitzonderlijk rijk materiaal. Meer dan tweehonderd objecten zijn afkomstig uit de eigen collectie van het Nationalmuseum, aangevuld met zo'n honderd werken in bruikleen van instellingen als het Nihon Mingeikan in Tokio en het Shōji Hamada-museum in Mashiko. Kåges steengoed en Hamada's gedraaide kommen in dezelfde zaal zien, is een zeldzame kans, omdat ze zich normaal gesproken aan weerszijden van de aardbol bevinden. Juist die combinatie is het punt: in de vergelijking, pot tegen pot en glazuur tegen glazuur, komt de stille verwantschap naar voren.
"Twee keramisten die nooit een atelier deelden, deelden toch één overtuiging: het alledaagse voorwerp verdient evenveel zorg als het kunstwerk."
Gustavsberg, mingei en twee levens in klei
Kåges weg liep via de schilderkunst. Hij was opgeleid als kunstenaar toen Gustavsberg hem in 1917 aantrok, en bracht de ernst van de beeldende kunst mee naar de porseleinfabriek. Zijn servies met groene spikkels en zijn latere, strengere steengoed braken met de zware pronkzucht die het Zweedse porselein vaak had gekenmerkt. Kåge wilde ‘mooier dagelijks gebruiksgoed’ maken – een uitdrukking die uitgroeide tot een hele stroming binnen de Zweedse vormgeving en de basis legde voor wat we tegenwoordig als typisch Scandinavisch beschouwen: eenvoudig, functioneel en toch zinnelijk.
Hamada kwam van de andere kant, maar kwam uit bij dezelfde waarden. Samen met de filosoof Sōetsu Yanagi en Bernard Leach formuleerde hij in de jaren twintig het mingei-idee: dat het anonieme, handgemaakte gebruiksvoorwerp een eigen schoonheid bezit, vrij van de handtekening en het ego van de kunstenaar. Hamada vestigde zich in het pottenbakkersdorp Mashiko en liet de plaatselijke klei en traditionele glazuren de richting bepalen. Waar Kåge de industrie verfijnde, tilde Hamada het ambacht naar een hoger plan, maar beiden kwamen uit bij dezelfde waarheid: de vorm moet het leven dienen, niet andersom.
Kåges veelzijdigheid verdient vermelding. Hij maakte alles, van het decoratieve Argenta-aardewerk met zilveren inleg in groen glazuur tot het sobere, bijna ascetische steengoed dat hij Farsta noemde. Die laatste stijl, zwaar en aards, ligt verrassend dicht bij Hamada’s esthetiek – dezelfde eerbied voor het materiaal, dezelfde afkeer van het overbodige. Hamada liet op zijn beurt de plaatselijke ijzerrijke klei en asglazuren in Mashiko de uitstraling bepalen, en weigerde vaak zijn werk te signeren, helemaal in de geest van mingei: het voorwerp moest voor zichzelf spreken.
Het is deze gemeenschappelijke basis die de tentoonstelling zichtbaar maakt. Door Zweeds steengoed naast Japanse mingei-keramiek te zetten, wordt duidelijk hoe twee tradities, zonder rechtstreeks contact, naar dezelfde idealen van ingetogenheid, natuurlijke materialen en stille kwaliteit streefden. De verschillen zijn er – het Zweedse is vaak meer gecomponeerd, het Japanse meer toevallig – maar de dialoog ertussen is onmiskenbaar.
De ontmoeting in klei is de oercel van japandi
Hier wordt de tentoonstelling onverwacht actueel. Japandi – de samensmelting van Japanse en Scandinavische vormgeving – wordt vaak beschreven als een jonge interieurtrend, maar Kåge en Hamada laten zien dat de dialoog tussen de landen al honderd jaar oud is. Wat japandi tegenwoordig op de muur doet, deden deze twee al met klei in de jaren twintig en dertig: noordelijke soberheid verenigen met Japanse verbondenheid met de natuur, en ruimte bieden aan het onvolmaakte en handgemaakte.
De Japanse esthetiek kent twee begrippen die verklaren waarom deze ontmoeting zo bevrijdend aanvoelt. Het ene is wabi-sabi, de schoonheid van het onvolmaakte en vergankelijke - de barst in het glazuur, de onregelmatige rand. Het andere is ma, de bewuste leegte, de pauze die betekenis geeft aan al het andere. Kåges strakke vormgeving en Hamada's gedraaide onregelmatigheden belichamen beide ideeën, en precies die elementen leent japandi wanneer het lege muuroppervlakken laat bestaan en voor één goed geplaatst motief kiest in plaats van vele.
Voor wie een interieur inricht, betekent dit dat japandi geen vluchtige trend is, maar berust op een diepe, gedocumenteerde verwantschap tussen twee vormentalen. Wanneer je japandi-posters voor aan de muur kiest, neem je dezelfde elementen over die Kåge en Hamada verweefden: gedempte aardetinten, asymmetrie, respect voor het materiaal en een rust waar je lang mee kunt leven. Wil je de terughoudendheid nog verder doorvoeren, dan kom je uit bij de minimalistische posters waarin de lege ruimte net zo belangrijk is als het motief - precies zoals in het Japanse esthetische begrip ma, de bewuste pauze.
Tip: Wil je de sfeer van de tentoonstelling in huis halen? Kies een poster in de tinten van aardewerk - gebroken wit, rookgrijs, oker en een vleugje celadongroen - en hang hem in een licht eikenhouten lijst. Laat gerust meer ruimte rond het schilderij dan je aanvankelijk van plan was; het lege muuroppervlak maakt deel uit van de compositie en is geen verspilling.
Van museumzaal naar je muur: motieven, formaten en ruimtes
Keramiek vertalen naar wandkunst betekent zoeken naar dezelfde kwaliteiten die Kåge en Hamada nastreefden: de eerlijkheid van natuurlijke materialen, het gedempte kleurenpalet en de rustige asymmetrie. Botanische motieven in ingetogen tinten sluiten aan bij de liefde van de mingei-traditie voor het eenvoudige en plantaardige, en onze botanische posters brengen dezelfde aardse rust als een ongeglazuurd steengoed vat. Wil je het Zweedse erfgoed benadrukken, dan ontdek je een hele wereld in onze collectie Zweedse kunst, waarin je dezelfde strak zinnelijke stijl herkent als bij Kåge.
De woonkamer: een rustig middelpunt
In gezamenlijke ruimtes draait de japandistijl om rust en balans. Een poster van 50x70 in gedempte aardetinten boven de bank, liefst met een asymmetrische compositie, geeft de kamer een rustig middelpunt. Weersta de verleiding om de muur vol te hangen - één zorgvuldig gekozen afbeelding met veel ruimte eromheen spreekt sterker dan een drukke verzameling. Het is dezelfde terughoudendheid die Kåges Farsta-aardewerk kenmerkt: weinig gebaren, maar elk gebaar is doordacht.
De slaapkamer en de hal: rust en materiaalgevoel
In de slaapkamer en de hal komen de materiaalgevoelens goed tot hun recht. Een kleinere afbeelding in gebroken wit en rookgrijs, ingelijst in onbehandeld eikenhout of donker gebeitst hout, geeft dezelfde tastbare rust als een handgedraaide pot. Hang je twee posters in dezelfde tinten maar van verschillend formaat naast elkaar, dan creëer je de bewuste onbalans waar zowel de Japanse als de Noordse vormgeving van houdt – een echo van hoe Hamada zijn handen en de klei liet bepalen wat er gebeurde, in plaats van de liniaal.
De werkkamer: concentratie zonder rommel
Veel mensen onderschatten hoeveel de muur achter het bureau invloed heeft op de concentratie. Juist hier komt het ingetogen kleurenpalet van japandi goed van pas, omdat het je ogen iets geeft om op te rusten zonder je aandacht af te leiden. Eén ingetogen afbeelding in oker of celadongroen, zo opgehangen dat ze in je blikveld valt wanneer je je ogen van het scherm haalt, zorgt voor een rustig moment in plaats van afleiding. Het is hetzelfde principe dat Kåge en Hamada volgden: het voorwerp, of in dit geval het schilderij, moet de persoon dienen die ermee leeft, niet om zichzelf om aandacht vragen.
In elke ruimte is geduld de gemene deler. Japandi beloont wie weinig, maar wel de juiste dingen kiest en ze de ruimte geeft om te ademen. Eén poster in de juiste tinten, omringd door ruimte en gevat in een eerlijke houten lijst, zegt meer over begrip van de stijl dan een hele muur vol prints. De tentoonstelling in het Nationalmuseum is in wezen een les in precies dit: minder, met zorg gemaakt, is bijna altijd meer.
Goed om te weten: de tentoonstelling spreekt niet alleen mensen aan die geïnteresseerd zijn in keramiek. Ze is minstens zo boeiend voor wie zijn interieur inricht, omdat ze laat zien waar de Scandinavische en Japanse invloeden daadwerkelijk samenkwamen. Maak je een wandeling door de zalen en kijk je daarna thuis naar je eigen muur, dan zie je het verband ineens met nieuwe ogen: het ingetogen glazuur op een pot en de ingetogen tint van een poster zijn twee uitingen van hetzelfde verlangen naar rust en authenticiteit. Een museumbezoek laten bepalen welk kunstwerk je daarna aan de muur hangt, is een van de mooiste manieren om de culturele ervaring nog lang na afloop van de tentoonstelling voort te laten leven.
Veelgestelde vragen over Kåge, Hamada en japandi aan de muur
De tentoonstelling in het Nationalmuseum herinnert ons er op bijzondere wijze aan dat wat we trends noemen vaak diepe wortels heeft. Kåge en Hamada brachten de vormgevingstradities van twee landen samen, lang voordat het woord japandi bestond, en hun klei heeft dezelfde rust waar we tegenwoordig naar zoeken aan de muur. Wil je verder lezen over de oorsprong en uitstraling van deze stijl? Dan raden we onze gids over de japandi-stijl aan en onze verdieping in wabi-sabi en de schoonheid van het onvolmaakte. Voor wie de Japanse beeldtraditie achter deze stijl wil begrijpen, is onze tekst over Japanse houtsnijkunst een mooi vertrekpunt. Bronnen: Nationalmuseum over de tentoonstelling en Scandinavian Design over Kåge & Hamada.