Op 2 oktober 2026 opent de Royal Academy of Arts in Londen de tentoonstelling Painting the French Riviera. Onder de ruim 160 werken is er ook werk van een kunstenaar wiens beelden al lange tijd een dubbelleven leiden: zowel als museumstukken als posters aan duizenden Zweedse muren. Raoul Dufy schilderde de Middellandse Zee alsof het water van licht en lak was gemaakt, en juist die lichtheid maakte hem tot een van Europa’s meest gereproduceerde kleurkunstenaars. Achter het vrolijke oppervlak gaan een houtgraveur, een textielontwerper met tweeduizend patronen op zijn naam en een man schuil die tegen het einde zijn penseel aan zijn hand moest vastbinden. Hier vertellen we wie Dufy was, waarom zijn blauwtint zo direct herkenbaar is en hoe zijn motieven er in een Scandinavisch huis eigenlijk uitzien.
In het kort: Painting the French Riviera is van 2 oktober 2026 tot en met 31 januari 2027 te zien in de Royal Academy of Arts in Londen. De tentoonstelling brengt meer dan 160 werken samen, van de jaren 1870 tot de jaren 1960, waaronder een hele zaal gewijd aan reisaffiches, boeken en film. Daarna reist de tentoonstelling verder naar het Cleveland Museum of Art, waar ze van 14 maart tot en met 11 juli 2027 te zien is.
Van de havenkades van Le Havre naar het licht van de Middellandse Zee
Raoul Dufy werd op 3 juni 1877 geboren in Le Havre, in een groot gezin in Normandië dat het financieel moeilijk had. De havenstad bood hem zijn eerste wereld aan motieven: masten, zeilen, vlaggenlijnen en een grijsblauw Atlantisch licht dat hem nooit helemaal losliet. ’s Avonds volgde hij lessen aan de kunstacademie van de stad en kort na de eeuwwisseling kwam hij naar Parijs. Het keerpunt kwam in 1905, toen hij op de Salon des Indépendants het werk Luxe, calme et volupté van Henri Matisse zag. Dufy omschreef de ontmoeting als een openbaring – plotseling besefte hij dat kleur de werkelijkheid niet hoefde te beschrijven, maar haar kon scheppen.
Hij exposeerde in 1906 en 1907 samen met de fauvisten, maar al in 1908 werkte hij zij aan zij met Georges Braque in L'Estaque en verschoof hij naar een strakkere, sterker door Cézanne beïnvloede schilderstijl. Het is een periode die tegenwoordig zelden aan de muur hangt: ingetogen, constructief, bijna grijs. Pas in de jaren 1920 keert de kleur echt terug, en dan in gezelschap van de Rivièra. De kust tussen Marseille en de Italiaanse grens werd zijn tweede thuis, en de renbanen van Deauville, de regatta’s voor de kust van Cowes en de uitzichten door open atelierramen werden motieven waar hij decennialang op terugkwam.
Wie de kleurkeuzes van Dufy wil begrijpen, kan veel opsteken van de band met Matisse, die we bespreken in onze gids voor de motieven van Henri Matisse. Het verschil is dat Matisse de kleurvlakken opbouwde als muren van kleur, terwijl Dufy de beweging behield. Bij hem lijkt alles een beetje te wuiven. Wil je zien hoe de grote namen samenkomen in één collectie, dan vind je ze bij elkaar in onze kunstwerken van bekende kunstenaars.
Tweeduizend stofpatronen – de jaren bij Bianchini-Férier
In 1912 begon Dufy een samenwerking met het zijdehuis Bianchini-Férier in Lyon, die zo'n zestien jaar zou duren. In die tijd ontwierp hij meer dan tweeduizend textielpatronen: bloemen, schelpen, jachttaferelen, vogels, geometrische patronen. Het was geen zijproject, maar dagelijks vakmanschap, en het vormde zijn hele beeldtaal. Wie voor een weefsel ontwerpt, moet een motief terugbrengen tot zijn duidelijkste teken, omdat details in de draden verdwijnen. Dufy leerde een zeil met drie streken en een paard met zeven te tekenen. Toen hij daarna terugkeerde naar de schildersezel, nam hij die zuinigheid mee.
Tegelijkertijd werkte hij aan keramiek, wanddecoraties en openbare opdrachten, en hij trok zich opvallend weinig aan van de hiërarchie die schilderkunst bovenaan plaatste en decoratieve kunst onderaan. Het hoogtepunt kwam in 1937, toen hij La Fée Électricité schilderde voor de wereldtentoonstelling in Parijs – een ode aan elektriciteit en een van de grootste schilderijen ooit gemaakt, verdeeld over een groot aantal samengevoegde panelen. Juist die combinatie van decoratie en ernst is herkenbaar in onze selectie van grafische posters, waarin het vereenvoudigde teken vaak het hele beeld draagt.
De laatste jaren waren zwaar. Rond 1950 had reumatoïde artritis zijn handen zo erg verstijfd dat hij het penseel aan zijn hand moest vastbinden om überhaupt door te kunnen werken, en hij zocht verlichting in de toen nieuwe behandeling met cortison. Toch bleef hij schilderen, en in 1952 kreeg hij de grote prijs voor schilderkunst op de Biënnale van Venetië – een erkenning die laat kwam voor een kunstenaar die lange tijd was afgedaan als al te lichtvoetig. Hij stierf in maart het jaar daarop, 75 jaar oud. Sindsdien is de waardering voor zijn werk veranderd, en juist zijn lichtheid is vandaag zijn sterkste troef.
"Dufy maakte de band tussen kleur en contour los – en ontdekte dat het oog het werk graag zelf doet, als je het maar de ruimte geeft."
Dufyblauw en de losgemaakte contour
Dufy's meest gekopieerde truc is eenvoudig te beschrijven en moeilijk na te doen. Hij brengt de verf eerst aan in brede, dunne vlakken die hij laat drogen, en tekent het motief er vervolgens met snelle zwarte of donkerblauwe streken bovenop – bewust verschoven ten opzichte van het kleurvlak. De zeilboot glijdt een centimeter uit zijn eigen blauwe schaduw. Het effect is dat het beeld beweeglijk aanvoelt en de kijker de opening onbewust zelf invult. Volgens hetzelfde principe lijkt een snel geschetste figuur levendiger dan een zorgvuldig ingekleurde.
Daar komt de kleur zelf nog bij. De diepe kobalttint die Dufyblauw wordt genoemd, koos hij omdat die volgens hem in alle nuances blauw bleef: lichter of donkerder gemaakt bleef het dezelfde kleur, terwijl andere blauwtinten gemakkelijk naar grijs of paars neigen. Voor drukwerk is dat een gelukkige eigenschap. Grote, egale vlakken en weinig kleurnuances zorgen ervoor dat de motieven het uitstekend doen in alles van kleinere formaten tot grote wandformaten, zonder troebel te worden. Wil je hetzelfde effect, maar dan in andere kleuren, dan vind je het tussen onze posters met een kleurenexplosie.
Het loont de moeite om de techniek zelf te leren herkennen, omdat veel van wat als Riviera-stijl wordt verkocht eigenlijk alleen maar blauw is. Let op drie dingen: of de contour naast de kleur staat in plaats van er precies bovenop, of de kleurvlakken dun genoeg zijn om het papier erdoorheen te laten schijnen, en of de tekening snel is in plaats van beschrijvend. Zijn alle drie aanwezig, dan is het beeld verwant aan Dufys methode, ongeacht wie het heeft gemaakt. Ontbreken ze, dan heb je in plaats daarvan een fraai decoratief beeld, wat ook precies kan zijn wat een kamer nodig heeft – maar dat is een ander soort beeld.
De Riviera als merk – wat de 160 werken daadwerkelijk laten zien
De tentoonstelling van de Royal Academy heeft een stelling die verder reikt dan de kunstgeschiedenis: de Franse zuidkust werd uitgebouwd tot een wereldwijd cultureel merk, en de beelden deden het werk. Vanaf de jaren 1870 lokte het licht er schilders, schrijvers en een welgesteld publiek naartoe dat op de vlucht was voor het vuil van industriesteden. De tentoonstelling loopt van Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir en Berthe Morisot tot Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque, Yves Klein en Dufy, en wijdt een aparte zaal aan reisaffiches, boeken en film – waaronder Tender is the Night van F. Scott Fitzgerald en To Catch a Thief van Alfred Hitchcock.
Dat de affiches in hetzelfde gebouw als de schilderijen hangen, is op zich al betekenisvol. Spoorwegmaatschappijen en hotels bestelden afbeeldingen die een gevoel van warmte moesten verkopen, en namen daarbij volop de kleurpaletten van kunstenaars over. Enkele decennia lang ging de invloed beide kanten op: schilders keken naar affiches, en afficheontwerpers naar schilderijen. Zo ontstond een beeldtaal die nog steeds een snelle weg naar de zon is, en voortleeft in onze selectie posters van bekende plaatsen.
Voor wie vandaag kunst koopt, is het goed om dit te weten, omdat het verklaart waarom een Riviera-motief tegelijk artistiek en luchtig aanvoelt. Het beeld draagt een dubbele erfenis. Wie zo’n afbeelding in een Zweeds huis ophangt, haalt dus niet zomaar een uitzicht in huis, maar ook een honderd jaar oude belofte van licht – en dat is waarschijnlijk waarom het motief ook in november werkt, wanneer buiten het raam niets dat doet. Wil je deze hele esthetiek verder uitbouwen, dan hebben we de tips verzameld in onze gids voor mediterrane woonstijl.
Tip: Hang een op Dufy geïnspireerd maritiem of havenbeeld aan de muur in de kamer die het minst direct zonlicht krijgt. De koele kobaltblauwe tint heeft geen zon nodig om te stralen - hij komt het best tot zijn recht tegen een warmwitte of licht gebroken witte ondergrond. In een hoek met daglicht van opzij komt het witte papieroppervlak naar voren als een eigen lichtbron in het motief.
Zo passen Dufy-motieven in een Scandinavisch interieur
Het Zweedse licht is koeler en staat lager dan het licht waarin Dufy schilderde, en dat is eigenlijk een voordeel. Zijn blauwe en turquoise vlakken houden zich veel beter staande in grijs oktoberlicht dan warme aardetinten, omdat het contrast tussen het witte papieroppervlak en de verzadigde kleur zelfs in het schemerlicht behouden blijft. Daarom komt een maritiem beeld in een woonkamer met ramen op het noorden uitzonderlijk goed tot zijn recht - het ziet er om negen uur ’s ochtends ongeveer hetzelfde uit als om zeven uur ’s avonds.
De motieven komen het best tot hun recht met voldoende ruimte eromheen. Een beeld dat is opgebouwd uit grote aaneengesloten kleurvlakken verliest aan kracht als het krap hangt. Kies dus liever voor 50x70 of 70x100 centimeter boven een bank dan voor meerdere kleine beelden naast elkaar. De lijst moet onopvallend zijn: een smalle, lichte eikenhouten lijst of een dun zwart profiel volstaat. Vermijd brede gouden lijsten, want die plaatsen het beeld in een andere tijd en botsen met de moderne, snelle penseelvoering. Een ruime passe-partout benadrukt juist het papierwit en daarmee het lichteffect als geheel.
Qua ruimte zijn de hal en de eetkamer onderschatte plekken. Een hal heeft meestal geen daglicht en kan daarom een motief hebben dat zelf licht uitstraalt. Boven een eettafel wordt het beeld lange tijd van dichtbij bekeken - dan werkt een compositie met beweging in de penseelstreken beter dan een volkomen statische. De badkamer is daarentegen minder geschikt voor dit soort motieven, omdat schommelingen in de luchtvochtigheid het papier op den duur kunnen doen bobbelen als de lijst niet goed afsluit. In de slaapkamer past een rustig havengezicht beter dan een uitbundige regatta.
Werkt het motief goed samen met andere beelden? Het komt het best tot zijn recht naast rustige natuurfoto’s in hetzelfde koele kleurengamma, bijvoorbeeld uit onze selectie posters met natuurmotieven. Hang geen twee even kleurrijke beelden naast elkaar - ze doen afbreuk aan elkaar. Wil je een hele wand samenstellen met impressionistische en postimpressionistische motieven, dan vind je een helder overzicht in onze tekst over Renoir en de herfsttentoonstelling van de National Gallery, die slechts één dag na die van de Royal Academy opent.
Veelgestelde vragen over Raoul Dufy
Als je je verder in de tentoonstelling wilt verdiepen, vind je het programma bij de Royal Academy of Arts en een overzicht van Dufy's leven en werk op Wikipedia. Wil je intussen iets met hetzelfde licht in huis halen, dan hebben we de grote namen verzameld in onze kunstwerken van bekende kunstenaars – kies een poster van 50x70 of 70x100, geef hem een smalle lijst en een eigen muur, en hij doet de rest helemaal zelf.