Francisco Goya – De zwarte schilderijen, Los Caprichos en de geboorte van de moderne kunst

Francisco Goya is de kunstenaar die meer dan wie ook de geboorte van de moderne kunst in zijn eigen oeuvre belichaamt. Hij begon zijn loopbaan als decorateur voor het Spaanse hof en schilderde zonnige volksscènes voor geweven wandtapijten in koninklijke paleizen. Hij eindigde met veertien donkere, bijna ondraaglijke schilderijen die rechtstreeks op de muren van zijn eigen huis buiten Madrid waren aangebracht; schilderijen die niemand had besteld en die niemand vóór zijn dood zag. Tussen deze twee uitersten ligt een halve eeuw van oorlog, ziekte, doofheid, hofintriges en een onverzettelijke wil om de werkelijkheid te zien zoals die werkelijk was.

Voor wie geïnteresseerd is in kunstgeschiedenis vormt Goya een keerpunt. Voor hem was schilderkunst hoofdzakelijk een dienst aan de kerk, de kroon en de adel. Na hem werd het mogelijk voor een kunstenaar om het penseel te gebruiken als een eigen getuigenis, als een aanklacht, als een persoonlijke nachtmerrie. Deze pagina behandelt Goya's leven, zijn belangrijkste werken, zijn techniek als schilder en graficus, zijn betekenis voor latere kunstenaars en hoe zijn beeldwereld tegenwoordig als kunst in een Zweeds huis functioneert. We bekijken ook waar je Goya in Zweden daadwerkelijk in het origineel kunt zien.

Inhoud
↓ Wie was Francisco Goya?
↓ Van Fuendetodos naar het hof in Madrid
↓ Goya's belangrijkste werken
↓ Techniek, kleur en artistieke signatuur
↓ Goya als graficus – Los Caprichos en de verschrikkingen van de oorlog
↓ De Zwarte schilderijen en de Quinta del Sordo
↓ Goya's nalatenschap en invloed
↓ Goya als kunst in huis
↓ Goya in Zweden – de collectie van het Nationaalmuseum
↓ Tijdlijn
↓ Verwante kunstenaars
↓ Veelgestelde vragen over Francisco Goya

Wie was Francisco Goya?

Francisco José de Goya y Lucientes werd op 30 maart 1746 geboren in Fuendetodos, een klein dorp in Aragón, enkele tientallen kilometers ten zuiden van Zaragoza, en stierf op 16 april 1828 in Bordeaux, Frankrijk. Hij werd dus 82 jaar oud, een uitzonderlijk hoge leeftijd voor zijn tijd, en hij werkte bijna tot aan het einde. Zijn oeuvre omvat ongeveer 700 schilderijen, bijna 900 tekeningen en zo'n 280 grafische bladen, waarmee hij een van de productiefste kunstenaars uit de Europese kunstgeschiedenis is.

Goya was tegelijkertijd hofschilder en maatschappijkriticus, een positie die onmogelijk zou moeten zijn. Hij portretteerde de Spaanse koninklijke familie in goudgeborduurde kleding, terwijl hij in het geheim etsen maakte van de hebzucht van de geestelijkheid en de domheid van de adel. Hij schilderde officiële opdrachten voor de kerk en maakte privétekeningen van slachtoffers van marteling. Deze dubbelheid is geen tegenstelling in zijn kunstenaarschap, maar juist de kern ervan: Goya begreep al vroeg dat er een officiële werkelijkheid en een werkelijke werkelijkheid bestaan, en hij weigerde een van beide op te geven.

In het kort: Francisco de Goya werd op 30 maart 1746 geboren in Fuendetodos, Aragón, en stierf op 16 april 1828 in Bordeaux. Hij maakte tussen 1775 en 1791 63 tapijtkartons voor de Koninklijke Tapijtmanufactuur Santa Bárbara. In 1789 werd hij onder Karel IV benoemd tot koninklijk hofschilder en in 1799 tot eerste hofschilder (primer pintor de cámara). Een ernstige ziekte in 1792–1793 maakte hem voor de rest van zijn leven vrijwel volledig doof. De prentserie Los Caprichos bestaat uit 80 bladen en werd in februari 1799 gepubliceerd. De serie De verschrikkingen van de oorlog omvat 82 bladen, gemaakt rond 1810–1820. De veertien Zwarte schilderijen werden rond 1820–1823 rechtstreeks op de muren van de Quinta del Sordo geschilderd en bevinden zich tegenwoordig in het Museo del Prado in Madrid. Het Nationalmuseum in Stockholm bezit vier schilderijen van Goya, een tekening en een groot aantal grafische bladen en albums.

Van Fuendetodos naar het hof in Madrid

Goya's vader was vergulder, een ambachtelijk beroep dat verbonden was met de religieuze kunst, en het gezin behoorde tot de bescheiden middenklasse in Aragón. Op veertienjarige leeftijd ging Francisco in de leer bij de schilder José Luzán y Martínez in Zaragoza, waar hij de traditionele opleiding kreeg: grafische voorbeelden kopiëren totdat de hand eraan gewend is. Vervolgens trok hij naar Madrid en naar Francisco Bayeu, een gevestigde hofschilder wiens zus Josefa Goya in 1773 met hem trouwde. Het was een huwelijk dat evenzeer een carriè estratégia als een liefdesverhaal was, en het opende de deuren naar het hof.

De reis naar Italië 1770–1771

Goya bekostigde rond 1770 zelf een studiereis naar Rome. Daar maakte hij kennis met de oudheid, de Romeinse barok en het opkomende neoclassicisme. Het jaar daarop nam hij deel aan een wedstrijd die was uitgeschreven door de kunstacademie in Parma en kreeg hij een eervolle vermelding. De reis gaf hem het internationale perspectief dat hem onderscheidde van veel Spaanse collega's die het Iberisch Schiereiland nooit verlieten, en leverde hem een voorraad compositieformules op waarop hij decennialang zou voortbouwen.

Tapijtkartons 1775–1791

Tussen 1775 en 1791 produceerde Goya 63 grote olieverfschilderijen die als ontwerpen, zogenaamde kartons, dienden voor de Koninklijke Tapijtmanufactuur Santa Bárbara. De wevers zetten de motieven over op wandtapijten die in koninklijke paleizen zoals El Pardo en El Escorial werden opgehangen. De motieven moesten aangenaam zijn: picknicks, dans, spelende kinderen, markttaferelen. Juist daarom zijn ze interessant. Goya gebruikte de opdracht om licht, kleurharmonieën en het volksleven te bestuderen met een vrijheid die een formeel portret nooit zou hebben toegestaan.

Het bekendste van deze werken is De parasol (El Quitasol) uit 1777, dat tegenwoordig in het Museo del Prado hangt. Een jonge vrouw in een zijden jurk zit op een stenen muur met een klein hondje op haar schoot, terwijl een majo, een modieuze jongen uit de arbeidersklasse van Madrid, achter haar staat en een groene zijden parasol boven haar hoofd houdt. Het groene licht dat door de parasol heen valt, kleurt haar gezicht koel, bijna groenachtig tegen de warme gele achtergrond. Het is een lichtstudie die haar tijd een eeuw vooruit is en rechtstreeks vooruitwijst naar het impressionisme.

Hofschilder en de ziekte van 1792

In 1786 werd Goya koninklijk schilder, in 1789 werd hij benoemd tot hofschilder van de pas aangetreden Karel IV en in 1799 bereikte hij de top van de officiële hiërarchie als eerste hofschilder. Maar tussen deze benoemingen vond de gebeurtenis plaats die zijn leven in tweeën deelt. In de winter van 1792-1793 werd hij tijdens een reis naar Andalusië getroffen door een ernstige ziekte met duizeligheid, tinnitus, tijdelijke blindheid en verlamming. Hij overleefde het, maar werd de rest van zijn leven vrijwel volledig doof. Over de diagnose bestaat discussie; loodvergiftiging door pigmenten, een virusinfectie en het syndroom van Susac zijn allemaal voorgesteld.

Zijn doofheid sloot hem buiten van het gesprek, de valuta van het hofleven, en wierp hem terug in een innerlijke ruimte. Na 1793 duiken de donkere motieven op in zijn oeuvre: De binnenplaats van het gekkenhuis, scènes met bandieten en scheepswrakken, en kort daarna de prentencyclus Los Caprichos. Het verband tussen zijn isolement en zijn radicalisering als kunstenaar is een van de meest bediscussieerde kwesties in de kunstgeschiedenis.

Goya's belangrijkste werken

Goya's bekendste werken zijn verspreid over zes decennia en vier volledig verschillende registers: het decoratieve, het officiële, het politieke en het persoonlijke. Om hem te begrijpen moet je zien hoe deze registers met elkaar in gesprek gaan.

De familie van Karel IV (1800-1801)

Het grote groepsportret van Karel IV en zijn familie meet 280 × 336 centimeter en hangt in het Prado. Dertien personen staan opgesteld in een officieel hofinterieur, gekleed in zijde, fluweel en ordetekens. Goya zelf is links in de schaduw te zien, voor een groot doek, als directe hulde aan Velázquez' Las Meninas. Het schilderij is berucht geworden vanwege zijn ogenschijnlijk meedogenloze karakterisering: koningin Maria Luisa in het midden, de koning met een lege blik, het hele gezelschap stijf en glansloos ondanks al het goud. Kunsthistorici zijn het er tegenwoordig niet over eens of Goya satire bedoelde, of eenvoudigweg schilderde wat hij zag, met een realisme waaraan zijn tijdgenoten niet gewend waren.

De derde mei 1808 (1814)

Dit is waarschijnlijk Goya's meest invloedrijke afzonderlijke schilderij. Het werd in 1814 voltooid en beeldt de executie uit van de Spaanse verzetsbeweging na de opstand tegen de bezettingstroepen van Napoleon in Madrid, in de nacht van 2 op 3 mei 1808. Een naamloze man in een wit overhemd staat met uitgestrekte armen voor een anonieme rij geweerlopen, verlicht door een vierkante lantaarn op de grond. De soldaten hebben geen gezichten; ze zijn een machine. De grond ervoor is al bedekt met lichamen.

Het schilderij breekt met de volledige heroïsche slagveldtraditie. Er is geen nobele generaal, geen vaandel, geen overwinnaar. Manet citeerde de compositie vrijwel rechtstreeks in zijn schilderijen van de executie van keizer Maximiliaan in de jaren 1860, en Picasso bouwde erop voort in Guernica uit 1937. Lees meer over die lijn op onze pagina's over Édouard Manet en Pablo Picasso.

De Geklede Maja en de Naakte Maja (circa 1797-1805)

De twee vrijwel identieke liggende vrouwenportretten, het ene gekleed en het andere naakt, maakten oorspronkelijk deel uit van de collectie van eerste minister Manuel Godoy. De Naakte Maja wordt beschouwd als een van de eerste bekende westerse schilderijen van een naakte vrouw zonder mythologische rechtvaardiging; ze is geen Venus, ze is een persoon en kijkt de toeschouwer recht in de ogen. De werken brachten Goya in 1815 voor de inquisitie, en hij weigerde te zeggen wie ze had besteld. Beide hangen tegenwoordig in het Prado.

Zelfportret met dokter Arrieta (1820)

In 1819, op 73-jarige leeftijd, werd Goya getroffen door een nieuwe levensbedreigende ziekte. Het jaar daarop schilderde hij zichzelf half bewusteloos in bed, met de arts Eugenio García Arrieta achter zich, die een glas medicijn aan zijn lippen houdt. Op de achtergrond zijn drie schimmige figuren te zien. De inscriptie onderaan bedankt de arts omdat hij zijn leven heeft gered. Het schilderij bevindt zich in het Minneapolis Institute of Art in de Verenigde Staten en geldt als een van de aangrijpendste zelfportretten in de westerse kunst, een ex-votoschilderij waarop de kunstenaar zelf de genezen gelovige is.

"De verbeelding, verlaten door de rede, brengt onmogelijke monsters voort; verenigd met de rede is zij de moeder van de kunsten en de bron van hun wonderen." – Francisco Goya, commentaar bij prent 43 uit Los Caprichos, 1799

Techniek, kleur en artistieke signatuur

Goya's schilderkunst ontwikkelt zich van een glad, verlicht rococopal et tot een steeds grover, compacter schilderen waarin de penseelstreek zichtbare sporen achterlaat. Wie zijn werken in chronologische volgorde in het Prado bekijkt, ziet een hand die zichzelf geleidelijk niet langer verbergt.

Het palet en de zwarte grond

Vanaf de jaren 1790 werkt Goya in toenemende mate met donkere grondtonen. Hij legt het licht als een dunne laag boven op een diepe bruinzwarte ondergrond, ongeveer zoals Caravaggio dat twee eeuwen eerder deed, maar zonder Caravaggio's scherpe contouren. Goya's licht is mistig en onzeker. In De derde mei 1808 komt al het licht van één enkele lantaarn op de grond, een technische oplossing die tegelijkertijd dramaturgisch is: degene die zal sterven is de enige die zichtbaar is.

De penseelvoering en het onafgewerkte

In zijn late werken werkt Goya met een spatel, een doek en zelfs zijn duim. De verf wordt aangebracht in dikke, onregelmatige massa's, waarbij de ondergrond soms zichtbaar blijft. Dit werd lange tijd als slordig beschouwd, waardoor zijn late productie gedurende een groot deel van de 19e eeuw werd ondergewaardeerd. Tegenwoordig wordt dezelfde penseelvoering gezien als de directe voorloper van het expressionisme en van het bredere idee dat het oppervlak van een schilderij op zichzelf gevoel mag uitdragen.

Het portret als psychologie

Als portretschilder beschikte Goya over een uniek vermogen om de kleding schitterend en de blik onverbloemd te laten zijn. Zijn portretten van de hertogin van Alba, de schrijver Leandro Fernández de Moratín en de gravin van Chinchón tonen mensen die midden in een gedachte zijn gevangen in plaats van te poseren. Technisch bereikt hij dit door het gezicht met aanzienlijk meer en dunnere lagen te schilderen dan de rest van het doek, waardoor de huid een innerlijke glans krijgt terwijl de stof snel en schetsmatig wordt behandeld.

De graficus Goya – Los Caprichos en oorlogsgruwelen

Goya is een van de allergrootste grafici uit de kunstgeschiedenis, vergelijkbaar met Rembrandt van Rijn. Hij werkte voornamelijk met etsen gecombineerd met aquatint, een techniek waarbij hars en zuur doorlopende grijstinten creëren in plaats van alleen lijnen. Het resultaat is een beeldwereld van mist, schaduw en plotselinge lichtvelden.

Los Caprichos (1799)

Los Caprichos bestaat uit 80 etsen in ets- en aquatinttechniek, gemaakt in 1797–1798 en in februari 1799 als album uitgegeven. De reeks is een systematische satire op de Spaanse samenleving aan het einde van de 18e eeuw: gearrangeerde huwelijken, prostitutie, de hebzucht van de geestelijkheid, de inteelt van de adel, het volksgeloof in heksen en geesten. Het beroemdste blad is nummer 43, El sueño de la razón produce monstruos, waarop een slapende man aan een bureau wordt omringd door uilen en vleermuizen.

De uitgave werd een zakelijke ramp en een politiek risico. Al veertien dagen nadat het album te koop was aangeboden, trok Goya de resterende exemplaren terug uit angst voor de inquisitie, nadat zijn beschermheer Manuel Godoy de macht had verloren. In 1803 droeg hij de koperplaten en de onverkochte albums over aan de kroon in ruil voor een levenslang pensioen voor zijn zoon Javier.

Oorlogsgruwelen (circa 1810–1820)

Los Desastres de la Guerra omvat 82 bladen en verbeeldt de Spaanse Onafhankelijkheidsoorlog tegen Napoleon, de hongersnood in Madrid in 1811–1812 en de daaropvolgende politieke reactie. De bladen tonen verminkingen, executies, verkrachtingen en massagraven zonder enige verfraaiende omlijsting. De bijschriften zijn kort en bitter: "Je kunt niet kijken", "Dit heb ik gezien", "Waarom?". De reeks werd nooit tijdens Goya's leven gepubliceerd, maar werd in 1863 voor het eerst gedrukt, 35 jaar na zijn dood, door de Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Het Nationalmuseum in Stockholm heeft bladen uit deze reeks in zijn collectie.

De zwarte schilderijen en Quinta del Sordo

In 1819 kocht Goya een huis met twee verdiepingen buiten Madrid aan de rivier de Manzanares. Het huis werd al Quinta del Sordo genoemd, het Huis van de Dove, naar een eerdere eigenaar, maar de naam paste even goed bij de nieuwe eigenaar. Hier schilderde de toen al meer dan zeventig jaar oude Goya, waarschijnlijk tussen 1820 en 1823, veertien afbeeldingen rechtstreeks op het pleisterwerk van de muren, in twee kamers, zonder opdrachtgever en zonder de bedoeling ze te tonen.

Wat stellen ze voor?

De motieven vormen geen samenhangend programma. Saturnus verslindt zijn zoon toont de god terwijl hij een lichaam opeet, met wijd opengesperde ogen. De kop van de hond toont een kleine dierenkop die nauwelijks boven een okerkleurige massa uitkomt, terwijl de rest van het beeld leeg is. De bedevaart naar San Isidro toont een voortschuifelende menigte met verwrongen gezichten die door een donker landschap trekt. Twee oude mannen eten soep, heksensabbats, een vrouw bij een traliehek. De titels zijn niet van Goya zelf, maar zijn later ontstaan.

Van muur naar doek

De schilderijen werden pas na Goya's dood in 1828 ontdekt en bleven tientallen jaren aan de muren hangen. In de jaren 1870 liet de toenmalige eigenaar, baron Frédéric Émile d'Erlanger, ze van pleisterwerk op doek overbrengen, een technisch brute ingreep die de oppervlakken beschadigde en de kleuren donkerder maakte dan ze oorspronkelijk waren. De werken werden in 1878 op de wereldtentoonstelling in Parijs getoond zonder kopers te vinden en in 1881 aan de Spaanse staat geschonken. Sindsdien bevinden alle veertien zich in het Museo del Prado in Madrid, waar ze een samenhangend eigen zaalgedeelte hebben.

Het Prado begon in 2025 met een omvangrijke herinrichting van zijn zalen voor 18e-eeuwse kunst en Goya, een proces waarvan de zogenoemde Goyazalen 32 tot en met 38 op de eerste verdieping de laatste fase vormen en dat in 2026 wordt voortgezet. Het doel is de chronologie en de verbanden in de collectie voor de bezoeker duidelijker te maken.

Goya's nalatenschap en invloed

Goya's invloedsgeschiedenis is uitzonderlijk lang. In de tweede helft van de 19e eeuw werd hij een sleutelfiguur voor de Franse realisten en voor Manet, die in hem een voorloper zag van een schilderkunst zonder retoriek. Baudelaire schreef al in 1857 over hem en benadrukte juist de versmelting van het werkelijke en het fantastische. In de 20e eeuw werd hij onmisbaar voor het surrealisme, dat in Los Caprichos een vroege verkenning van de droom en het onbewuste zag.

Picasso's Guernica uit 1937 is ondenkbaar zonder De derde mei 1808: hetzelfde formaat van collectief lijden, dezelfde weigering om geweld mooi te maken. In de naoorlogse periode werd Goya een referentiepunt voor kunstenaars die met oorlog en politiek geweld werkten, van Robert Motherwell tot de gebroeders Chapman, die in 1999 een originele oplage van De gruwelen van de oorlog kochten en bewerkten.

Ook vanuit tentoonstellingsperspectief is de belangstelling niet afgenomen. Fondation Beyeler in Bazel toonde van 10 oktober 2021 tot 23 januari 2022 een van de grootste Goya-tentoonstellingen die ooit buiten Spanje zijn georganiseerd, met 181 werken: 77 schilderijen, 53 grafische bladen en 51 tekeningen, samengesteld in samenwerking met het Prado. Op de veilingmarkt zijn zijn werken zeldzaam; in januari 2023 noteerde Christie's in New York recordprijzen voor twee Goya-portretten, binnen een totale omzet van 62,7 miljoen dollar voor de Old Masters-veilingen van het veilinghuis, en drie herontdekte Goya-schetsen die 130 jaar vermist waren, brachten ongeveer 8 miljoen dollar op.

Goya als kunst in huis

Goya is geen vanzelfsprekende kunstenaar om mee te leven, en juist daarom werkt hij zo goed. Waar een poster van een bekende kunstenaar vaak wordt gekozen omdat hij mooi is, kies je voor Goya omdat hij geladen is. Dat stelt eisen aan de plaatsing.

Kies de juiste kant van Goya

Goya's oeuvre omvat twee uitersten, en die vragen om verschillende ruimtes. De lichte volksscènes op behangkartons met gele, lichtgroene en roze akkoorden passen in woonruimtes en eetkamers; ze hebben dezelfde zonnige lichtheid als de beeldwereld van de rococo. De grafiek uit Los Caprichos, met haar zwart-witte grijstinten, hoort thuis in de werkkamer, hal of het trappenhuis, waar men langsloopt en even stilstaat. Een samenhangende groepering van zwart-witte posters met grafische bladen zorgt voor een samenhangend, bijna museaal effect.

Inlijsting en afstand

Goya's grafiek is van oorsprong klein, vaak ongeveer 20 × 15 centimeter, en verdraagt daarom een royale passe-partout. Een brede witte of gebroken witte kartonnen passe-partout van vier tot zes centimeter geeft het blad ruimte en maakt duidelijk dat het om een grafisch werk gaat en niet om decoratie. Voor schilderijen geldt het tegenovergestelde: de donkere doeken komen beter tot hun recht in een smalle, donkere lijst van zwart gebeitst of donkerbruin hout die het beeld de ruimte in laat doorlopen. Lees onze gids over het inlijsten van kunst voor informatie over afmetingen en materiaalkeuze.

Tips: Hang een donkere Goya nooit recht tegenover een raam in tegenlicht. De zwarte partijen slokken het licht op en het beeld wordt een spiegel. Plaats het werk in plaats daarvan op een muur die haaks op de lichtbron staat, of op de muur waarin het raam zit, en vul dit aan met gerichte schilderijverlichting van ongeveer 2700 kelvin. Het warme licht geeft Goya's okergele en roodbruine tinten aanzienlijk natuurgetrouwer weer dan koudwitte verlichting.

Goya combineren met andere kunst

Goya combineert goed met andere klassieke kunst uit de barok en de romantiek, maar het interessantst wordt het in contrast. Een grafisch blad uit Los Caprichos naast een zuiver geometrisch motief creëert een spanning tussen rede en verbeelding die precies is waar Goya zelf over schreef. In een samenhangende ophanging moet Goya het ankerpunt zijn: het grootste formaat, het meeste gewicht, op ooghoogte geplaatst, met de overige motieven eromheen gegroepeerd. Onze gids voor een schilderijenwand behandelt de principes, en in de gids voor de woonkamer vind je concrete maatsuggesties. Weet je niet zeker welk motief bij jouw kamer past, lees dan hoe je de juiste kunst kiest.

Goya in Zweden – de collectie van het Nationalmuseum

Zweden heeft een verrassend goede Goyacollectie. Het Nationalmuseum in Stockholm bezit vier schilderijen, één tekening en een groot aantal losse grafische bladen en gebonden albums. De collectie omvat daarmee Goya's verschillende rollen: de portretschilder, de allegorist, de tekenaar en de graficus.

Twee van de schilderijen zijn grote allegorieën die eerste minister Manuel Godoy aan het begin van de 19e eeuw liet maken: De Poëzie en De Waarheid, De Tijd en De Geschiedenis. Het laatstgenoemde werk, een olieverfschilderij dat doorgaans wordt gedateerd rond 1812–1814, behoort sinds 1961 tot de collectie van het Nationalmuseum en is een van de belangrijkste buitenlandse aankopen van het museum in de naoorlogse periode. Het motief toont de gevleugelde Tijd die de naakte Waarheid naar voren brengt, terwijl de Geschiedenis aantekeningen maakt. Het is een verlichtingsprogramma in beeldvorm, geschilderd midden in een oorlog die het optimisme van de Verlichting moeilijk vol te houden maakte.

De belangstelling voor de collectie blijft levendig. Op 6 maart 2026 vond de lezing "Goya in de collecties van het Nationalmuseum" plaats met de Spaanse kunsthistoricus José Ignacio Calvo Ruata, die de Goyacollectie van het museum werk voor werk besprak. Wie de originelen wil zien, kan de grafiek doorgaans bekijken tijdens studiebezoeken aan het museum, terwijl de schilderijen in de vaste collecties worden getoond. Lees meer in Wikipedias artikel over Goya of in de collectiedatabase van het Museo del Prado.

Tijdlijn

1746 – Francisco José de Goya y Lucientes wordt op 30 maart geboren in Fuendetodos, Aragón, als zoon van een vergulder.

1760 – Begint op veertienjarige leeftijd in de leer bij de schilder José Luzán y Martínez in Zaragoza.

1770–1771 – Studiereis naar Rome op eigen kosten; ontvangt in 1771 een eervolle vermelding bij de wedstrijd van de kunstacademie in Parma.

1773 – Trouwt met Josefa Bayeu, de zus van hofschilder Francisco Bayeu, wat de weg naar het hof opent.

1775–1791 – Maakt 63 tapijtkartons voor de Koninklijke tapijtmanufactuur Santa Bárbara, waaronder De parasol uit 1777.

1789 – Wordt benoemd tot hofschilder van de pas gekroonde Karel IV.

1792–1793 – Wordt in Andalusië getroffen door een ernstige ziekte en wordt voor de rest van zijn leven bijna volledig doof.

1799 – Publiceert Los Caprichos in februari en wordt datzelfde jaar benoemd tot eerste hofschilder. Het album wordt na veertien dagen teruggetrokken.

1800–1801 – Schildert het grote groepsportret De familie van Karel IV, 280 × 336 centimeter.

1808–1814 – Spaanse Onafhankelijkheidsoorlog. Goya werkt aan De verschrikkingen van de oorlog en schildert in 1814 De tweede mei 1808 en De derde mei 1808.

1819 – Koopt de Quinta del Sordo buiten Madrid; wordt getroffen door een tweede levensbedreigende ziekte.

1820 – Schildert Zelfportret met dokter Arrieta, tegenwoordig in het Minneapolis Institute of Art.

1820–1823 – Brengt de veertien Zwarte schilderijen rechtstreeks op de muren van de Quinta del Sordo aan.

1824 – Verlaat Spanje om politieke redenen en vestigt zich in Bordeaux.

1828 – Overlijdt op 16 april in Bordeaux, 82 jaar oud.

1863 – De verschrikkingen van de oorlog worden voor het eerst gepubliceerd, 35 jaar na Goya's dood.

1881 – De Zwarte schilderijen worden aan de Spaanse staat geschonken en naar het Museo del Prado gebracht.

Gerelateerde kunstenaars en stromingen

Goya staat met één voet in de barok en met de andere in de romantiek, terwijl hij in de praktijk veel van wat later moderne schilderkunst zou worden genoemd, uitvindt. Zijn technische verwantschap met Rembrandt geldt vooral voor de grafiek, terwijl zijn omgang met licht teruggaat op Caravaggio. Vooruit in de tijd lopen de lijnen naar Manet, naar het expressionisme en naar Picasso.

Wil je Goya in een bredere context plaatsen? Bekijk dan ons volledige overzicht van de tijdperken op de pagina over kunstgeschiedenis. Een volledige lijst van onze informatiepagina's over kunstenaars en stromingen vind je in de Kennisbank.

Veelgestelde vragen over Francisco Goya

Wil je iets uit de beeldwereld van de Spaanse meester in huis halen? Dan vind je onze volledige selectie kunsthistorische motieven tussen de posters van bekende kunstenaars. Alle motieven worden in Zweden gedrukt op FSC-gecertificeerd papier en kunnen bij het bestellen direct worden aangevuld met een lijst van eikenhout, zwart of wit.