Jackson Pollock – actionpainting, druppelschilderkunst en abstract expressionisme

Jackson Pollock is de Amerikaanse kunstenaar die meer dan wie ook veranderde wat een schilderij kon zijn. Toen hij in 1947 het doek op de ateliervloer in Springs op Long Island legde en er vloeibare verf overheen begon te gieten, druppelen en slingeren, liet hij de ezel, het penseel en de hele Europese beeldtraditie waarin hij was opgegroeid achter zich. Het resultaat was kunst zonder middelpunt, zonder horizon en zonder onderwerp in de gebruikelijke zin - een oppervlak van verstrengelde banen waarin de verf de beweging van het lichaam door de ruimte registreert. Daarom werken zijn werken zo uitzonderlijk goed als poster: ze hebben geen enkele vaste leesrichting en verdragen het om steeds opnieuw te worden bekeken.

Pollock werd slechts 44 jaar oud, van 1912 tot 1956, en de periode waarin hij zijn beroemde druppelschilderijen maakte, duurde nog geen vier jaar. Toch hebben maar weinig kunstenaars zo'n lange doorwerking gehad. Zijn werken hangen tegenwoordig in het Metropolitan Museum of Art, MoMA, de National Gallery of Art in Washington en de National Gallery of Australia, en een van de schilderijen - Number 17A uit 1948 - wisselde in 2015 bij een particuliere transactie voor 200 miljoen dollar van eigenaar. In Zweden toont Moderna Museet zijn werk al sinds 1963 en bezit het een van de weinige werken waarin hij een figuratief detail midden in de druppels liet staan. Op deze pagina komen zijn leven, de techniek achter de schilderijen, de belangrijkste werken en de manier waarop de vormentaal van het abstract expressionisme als kunst in een Zweeds huis functioneert aan bod.

Inhoud
↓ Wat kenmerkt de kunst van Jackson Pollock?
↓ Jeugd, opleiding en de weg naar New York
↓ De belangrijkste werken
↓ De techniek achter het druppelschilderen
↓ Lee Krasner en de kring rond het abstract expressionisme
↓ De erfenis, de markt en Pollock in Zweden
↓ Abstract expressionisme als kunst in huis
↓ Tijdlijn van het leven van Jackson Pollock
↓ Verwante kunstenaars en stromingen
↓ Veelgestelde vragen over Jackson Pollock

Wat kenmerkt de kunst van Jackson Pollock?

Jackson Pollocks volwassen schilderkunst berust op drie beslissingen die elk afzonderlijk klein lijken, maar samen braken met honderden jaren Europese kunst. Hij verplaatste het doek van de ezel naar de vloer, verruilde het penseel voor stokjes, verharde kwasten en basterdspuiten, en verving olieverf uit een tube door vloeibare industriële en huishoudelijke lakverf van het merk Duco. De verf bereikt het doek daardoor nooit via een werktuig dat tegen het oppervlak wordt gedrukt - ze valt door de lucht. Elke lijn is een afdruk van hoe snel de hand bewoog, hoe hoog boven het doek ze zich bevond en hoe stroperig de verf op dat moment was.

De kunstgeschiedenis noemt het resultaat een allovercompositie: het beeld heeft geen centrum, geen voorgrond en geen achtergrond, maar overal tot aan de randen een gelijkmatig verdeelde dichtheid. Criticus Clement Greenberg gebruikte het begrip al halverwege de jaren veertig voor Pollocks doeken, en in die zin is zijn schilderkunst radicaler dan de Europese abstractie van bijvoorbeeld Wassily Kandinsky, waarin de compositie nog altijd rond zwaartepunten wordt georganiseerd. Het andere gangbare etiket, action painting, werd bedacht door criticus Harold Rosenberg in het essay "The American Action Painters" in het tijdschrift ARTnews in december 1952: het doek wordt daar niet beschreven als een oppervlak waarop iets wordt afgebeeld, maar als een arena waarin wordt gehandeld.

Het is ook de moeite waard om duidelijk vast te stellen wat Pollocks kunst niet is. Ze is niet willekeurig. Natuurkundige Richard Taylor en zijn medewerkers publiceerden in 1999 een analyse in het tijdschrift Nature waaruit bleek dat de patroonvorming in de druppelschilderijen een fractaal karakter heeft en dat de fractale dimensie geleidelijk steeg van ongeveer 1,1 in de vroege doeken uit 1943 tot ongeveer 1,7 in de werken uit 1952. Met andere woorden: Pollock verfijnde zijn beeldtaal jaar na jaar op een manier die meetbaar is.

In het kort: Paul Jackson Pollock, geboren op 28 januari 1912 in Cody, Wyoming, overleden op 11 augustus 1956 in Springs, New York, 44 jaar oud. Nationaliteit: Amerikaans. Stroming: abstract expressionisme, vaak de New Yorkse school genoemd. Belangrijkste periode van het druppelschilderen: 1947–1950. Materiaal: huishoud- en industriële lakverf op onbewerkt doek. In 1945 getrouwd met de kunstenaar Lee Krasner (1908–1984). Belangrijkste werken: Mural (1943), Number 17A (1948), Autumn Rhythm: Number 30 (1950), One: Number 31 (1950), Blue Poles (1952). Hoogst genoteerde prijs: 200 miljoen dollar voor Number 17A bij een particuliere verkoop in 2015.

Jeugd, opleiding en de weg naar New York

Paul Jackson Pollock werd op 28 januari 1912 geboren in Cody, Wyoming, als jongste van vijf broers. Het gezin verhuisde tijdens zijn jeugd herhaaldelijk tussen Arizona en Californië, en het Amerikaanse Westen - de uitgestrektheid, het ranchleven en de inheemse culturen waarmee hij in aanraking kwam - werd een referentiepunt waarnaar hij zijn hele leven terugkeerde. Hij verliet Wyoming toen hij één jaar oud was, maar beschreef zichzelf veel later als een kunstenaar die eerder door het landschap dan door musea was gevormd.

Manual Arts High School en de eerste jaren

Pollock ging naar de Manual Arts High School in Los Angeles, waar de leraar Frederick John de St. Vrain Schwankovsky hem liet kennismaken met de theosofie en met de lezingen van Jiddu Krishnamurti. Zijn belangstelling voor het spirituele en het onderbewuste zou een constante blijven. Hij werd tweemaal van school gestuurd, de tweede keer in 1930, en volgde datzelfde jaar zijn oudere broer Charles naar New York.

Thomas Hart Benton en de Art Students League

Vanaf de herfst van 1930 studeerde Pollock aan de Art Students League of New York bij Thomas Hart Benton, de regionalistische muurschilder die de arbeiders en mythen van het Amerikaanse binnenland bezong. Benton leerde hem een compositie op te bouwen rond ritmisch gedraaide, spiraalvormige bewegingen over het beeldvlak – een schema dat Benton "the hollow and the bump" noemde. Pollock wees Bentons onderwerpen later af, maar de onderliggende ritmiek bleef behouden. Benton werd ook een vaderfiguur en het contact bleef lang bestaan nadat de leerling zijn eigen weg was gegaan.

De werkplaats van Siqueiros in 1936 en de jaren bij de WPA

Twee zaken bepaalden wat er zou volgen. De eerste was dat Pollock in 1936 deelnam aan de experimentele werkplaats van de Mexicaanse muralist David Alfaro Siqueiros aan 14th Street in New York, waar de kunstenaars werkten met spuitpistolen, lakverf, zand en toevalligheden in de verfstroming. Daar maakte hij voor het eerst kennis met het idee dat industriële, vloeibare verf een volwaardig artistiek materiaal was. De tweede was dat hij tussen 1935 en 1942 in dienst was bij het Federal Art Project, een deelprogramma van president Franklin D. Roosevelts werkgelegenheidsprogramma WPA, dat hem een behoorlijk maandsalaris en tijd om te schilderen bood. In dezelfde periode volgde hij jungiaanse psychotherapie, waardoor hij begon te tekenen om beeldmateriaal uit het onderbewuste naar boven te halen – een methode die verwant was aan het automatisme van de surrealisten.

De belangrijkste werken

Pollocks oeuvre wordt vaak in drie fasen ingedeeld: de mythologisch geladen, halffiguratieve doeken uit 1938–1946, de drippings uit 1947–1950 en de donkerdere, deels opnieuw figuratieve werken uit 1951–1955. Hieronder volgen de schilderijen die het vaakst als keerpunten worden genoemd, telkens met informatie over hun huidige locatie.

Mural (1943) – de opdracht die alles veranderde

Kunstverzamelaar Peggy Guggenheim gaf Pollock in 1943 een contract en bezorgde hem datzelfde jaar in november zijn eerste solotentoonstelling in de galerie Art of This Century in New York. Ze bestelde ook een schilderij voor de entree van haar woning in Manhattan: Mural, ongeveer 2,4 × 6 meter, het grootste doek dat hij ooit had geschilderd. Het werk heeft geen middelpunt of voorstelling, maar bestaat uit een voortdurende golfbeweging van gele, blauwe en zwarte vormen. Peggy Guggenheim schonk het in 1948 aan de University of Iowa; sindsdien maakt het deel uit van het Stanley Museum of Art in Iowa City. Het schilderij onderging een vier jaar durende restauratie bij het Getty Conservation Institute in Los Angeles en werd daar in 2014 tentoongesteld.

Nummer 17A (1948) en de doorbraak in de pers

Number 17A uit 1948 is het doek dat Pollock tot een publiek figuur maakte. Het maakte deel uit van het vier pagina's tellende artikel dat het tijdschrift Life in augustus 1949 publiceerde onder de kop "Is he the greatest living painter in the United States?" – een spread die een 37-jarige kunstenaar binnen enkele weken tot een nationale beroemdheid maakte. Het schilderij was lange tijd eigendom van David Geffen en werd in 2015 privé verkocht aan investeerder Kenneth C. Griffin voor 200 miljoen dollar, destijds de hoogste prijs die ooit voor een schilderij was betaald.

Autumn Rhythm, One en Lavender Mist (1950)

Het jaar 1950 is het hoogtepunt. In enkele maanden schilderde Pollock drie van zijn grootste doeken: Autumn Rhythm: Number 30, tegenwoordig in het Metropolitan Museum of Art in New York, One: Number 31, dat deel uitmaakt van de collectie van het Museum of Modern Art, en Lavender Mist: Number 1, dat sinds 1976 toebehoort aan de National Gallery of Art in Washington. In deze drie werken is de gelaagdheid het verst ontwikkeld: zwarte emaillak vormt een basisstructuur, wit en zilvergrijs komen daar bovenop, en dunne gegoten lijnen in bruin, groen of roze verbinden het oppervlak. De titels met nummers waren een bewuste keuze – Lee Krasner heeft verteld dat het paar juist op nummers overstapte omdat een beschrijvende naam de toeschouwer ertoe zou brengen naar iets figuratiefs te zoeken.

Blue Poles (1952) en de Australische deal

Blue Poles, ongeveer 2 × 5 meter groot en geschilderd in 1952, is het late meesterwerk. Acht schuin geplaatste blauwe palen doorsnijden een dicht weefsel van oranje, geel en zilver en geven het schilderij een verticaal ritme dat de druppelschilderijen uit 1950 missen. In augustus 1973 kocht de National Gallery of Australia het werk voor 2 miljoen dollar, omgerekend ongeveer 1,3 miljoen Australische dollar, destijds het hoogste bedrag dat ooit voor een Amerikaans schilderij was betaald. De aankoop werd een politiek schandaal in Australië en werd in het parlement besproken. In 2022 werd Blue Poles gewaardeerd op ongeveer 500 miljoen Australische dollar en is het het waardevolste werk van het museum.

"Het schilderij heeft een eigen leven. Ik probeer het naar voren te laten komen. Alleen wanneer ik het contact met het schilderij verlies, wordt het resultaat een warboel." – Jackson Pollock, uitspraak in het tijdschrift Possibilities, winter 1947–1948

De techniek achter de druppelschilderkunst

Het atelier was een verbouwde schuur achter het huis aan Fireplace Road in Springs, waar Pollock en Lee Krasner in november 1945 naartoe verhuisden nadat ze 2.000 dollar van Peggy Guggenheim hadden geleend voor de aanbetaling. De schuur was nog geen 6 × 7 meter groot, wat in de praktijk de grens bepaalde voor de grootte van de doeken waaraan hij kon werken. De vloer is bewaard gebleven en is tegenwoordig het meest bezochte onderdeel van het Pollock-Krasner House and Study Center, dat wordt beheerd door Stony Brook University en in de zomermaanden voor bezoekers geopend is.

Het doek op de vloer

Door onbehandeld doek op de vloer uit te rollen, kon Pollock om het werk heen lopen en vanaf alle vier de kanten werken. Hij beschreef het voordeel zelf als het gevoel dat hij dichter bij het schilderij stond, bijna als een deel ervan. Praktisch betekende dit dat de zwaartekracht een gereedschap werd: de verf verlaat de stok of het blik en valt, en de dikte van de lijn wordt gestuurd door afstand en snelheid in plaats van door de breedte van het penseel. Pas toen het doek klaar was, werd het opgespannen en bijgesneden, een moment waarbij Krasner vaak aanwezig was en meebesliste waar de rand zou komen.

Emailverf, stokken en vleesspuiten

Pollock gebruikte geen kunstenaarsverf, maar alkydgebaseerde huishoud- en auto-emailverf, vooral het assortiment van Duco en Devoe & Raynolds, soms verdund zodat de verf vrij vloeide. Zijn gereedschap bestond uit verharde penselen, roerstokken, troffels en keukengerei zoals vleesspuiten. Conserveringsdeskundigen hebben later sigarettenpeuken, lucifers, munten, spijkers en sleutels ingebed in de verflagen aangetroffen - sporen van een atelier waar alles wat op de vloer lag in het schilderij kon belanden. De materiaalkeuze is ook de reden waarom de werken veeleisend zijn om te conserveren: alkydemailverf veroudert anders dan olieverf en kan in een ander tempo barsten dan het onderliggende doek.

Ritme, controle en fractalen

Wat er van buitenaf uitziet als chaos, is het resultaat van een fysieke techniek die Pollock zich eigen maakte. Filmmaker en fotograaf Hans Namuth legde hem in het najaar van 1950 tijdens zijn werk vast, zowel in foto's als op film, en het materiaal toont een kunstenaar die langzaam beweegt en net zo vaak pauzeert als verf werpt. De analyse van Richard Taylor in Nature uit 1999 wees in dezelfde richting: de patronen volgen een fractale structuur die zich op meerdere schaalniveaus herhaalt, iets wat moeilijk toevallig tot stand kan komen. De snelheid van de pols, de viscositeit van de verf en de afstand tot het doek werken samen tot een lijn die niet met een penseel te imiteren is.

Lee Krasner en de kring rond het abstract expressionisme

Pollock werkte niet in een vacuüm. De naoorlogse Amerikaanse kunst werd voortgestuwd door een hechte kring van kunstenaars, galeriehouders en critici in New York, en het keerpunt dat Pollocks druppelschilderijen vormden zou zonder hen noch zijn ontstaan, noch zijn opgemerkt. De beweging als geheel wordt nader beschreven op de pagina over abstract expressionisme.

Lee Krasner – kunstenaar, niet alleen echtgenote

Lee Krasner (1908–1984) was een gevestigde kunstenaar met een gedegen opleiding aan de National Academy of Design toen ze Pollock in 1941 ontmoette. Ze was opgeleid bij Hans Hofmann en beschikte over een kennis van het Europese modernisme die Pollock miste. Na hun huwelijk in 1945 werkten ze in hetzelfde huis, maar in verschillende ruimtes, en zij bleef haar hele leven schilderen – haar collageserie uit de jaren 1950 geldt tegenwoordig als een van de sterkste uit die periode. Krasner beheerde ook Pollocks nalatenschap na zijn overlijden en legde de basis voor de Pollock-Krasner Foundation, die sinds 1985 beurzen toekent aan kunstenaars. Het Metropolitan Museum of Art toont de tentoonstelling "Krasner and Pollock: Past Continuous" van 4 oktober 2026 tot en met 31 januari 2027, met meer dan 120 werken van ruim 80 bruikleengevers – de eerste grote presentatie in New York van een van beiden in meer dan twintig jaar.

Peggy Guggenheim en Betty Parsons

Peggy Guggenheim gaf Pollock in 1943 zijn eerste contract met een gegarandeerde maandelijkse vergoeding, waardoor hij in de praktijk werd bevrijd van loonarbeid. Toen zij in 1947 naar Venetië verhuisde, nam galeriehouder Betty Parsons het over, en bij haar werden de drippings voor het eerst getoond in januari 1948. De tentoonstelling verkocht slecht, maar kreeg beslissende kritische weerklank. Clement Greenberg schreef al in 1943 over Pollock en zou in de daaropvolgende tien jaar een volledige theorie opbouwen over de ontwikkeling van de moderne schilderkunst, waarin juist Pollocks vlakheid en allover-oppervlak het eindpunt vormden.

Rothko, de Kooning en de New York School

Rond 1950 bracht het Amerikaanse naoorlogse modernisme kunstenaars met zeer uiteenlopende uitdrukkingsvormen onder één etiket samen. Willem de Kooning werkte gebarend, maar behield de figuur, terwijl Mark Rothko de tegenovergestelde richting insloeg en grote, zwevende kleurvlakken opbouwde zonder sporen van beweging. Dat ze toch bij elkaar horen, komt door een gemeenschappelijke ambitie: schilderkunst tot een directe ervaring te maken in plaats van een afbeelding. De wortels liggen in het Europese surrealisme en zijn automatisme, dat voet aan de grond kreeg in New York toen kunstenaars als André Breton, Max Ernst en Roberto Matta voor de oorlog vluchtten en zich in de stad vestigden.

De erfenis, de markt en Pollock in Zweden

Pollock raakte op 11 augustus 1956 onder invloed van alcohol van de weg en kwam om in de buurt van zijn huis in Springs. Hij was 44 jaar oud. Het Museum of Modern Art had al een kleinere overzichtstentoonstelling gepland en maakte daar een herdenkingstentoonstelling van, die in december van datzelfde jaar opende. Na zijn dood groeide zijn status snel, deels om cultuurpolitieke redenen: het Amerikaanse naoorlogse modernisme reisde door Europa als bewijs van een vrij kunstleven, en Pollock werd daarvan de meest geciteerde naam.

Hans Namuth en het beeld van de kunstenaar

De foto's en films die Hans Namuth in het najaar van 1950 maakte, bepaalden het beeld van Pollock evenzeer als de schilderijen zelf. De scène waarin hij op glas schildert, van onderaf gefilmd, werd een van de meest gereproduceerde kunstenaarsportretten van de twintigste eeuw. De keerzijde was dat de aandacht hem vastzette in een bepaalde rol. Na de opnamen herviel hij na enkele jaren van nuchterheid, en zijn productie daalde sterk: van ongeveer vijftig schilderijen in 1950 naar een handvol per jaar tijdens zijn laatste periodes.

De prijzen en de verzamelaarsmarkt

De markt voor Pollock is uiterst beperkt, omdat bijna alle belangrijke werken zich in museumcollecties bevinden. De twee hoogste prijsnoteringen betreffen beide particuliere transacties: Number 17A voor 200 miljoen dollar in 2015 en Number 5, 1948 voor ongeveer 140 miljoen dollar in 2006. De hoogste openbare veilingprijs ligt aanzienlijk lager - Number 19, 1948 werd in mei 2013 bij Christie's in New York verkocht voor 58,4 miljoen dollar. Het verschil zegt iets over hoe weinig werken er daadwerkelijk circuleren.

Pollock in Zweden

Zweden was er vroeg bij. Moderna Museet in Stockholm presenteerde van 27 februari tot 15 april 1963, onder leiding van museumdirecteur Pontus Hultén, een solotentoonstelling met schilderijen van Pollock - slechts zeven jaar na het overlijden van de kunstenaar en lang voordat verschillende grotere Europese musea hetzelfde deden. Het museum bezit bovendien The Wooden Horse: Number 10 A uit 1948, een uitzonderlijk werk waarin een houten hoofd van een speelgoedpaard midden op het gedropte oppervlak is bevestigd - een van de weinige keren dat Pollock een herkenbaar voorwerp in het beeld liet staan. In 2012 werden vier van zijn schilderijen uit 1947-1949 getoond in de tentoonstelling Explosion! Måleri som handling. De werkgegevens zijn te vinden in de openbare collectie database van het museum bij Moderna Museet, en een overzicht van het kunstenaarschap in museale context wordt geboden door het Museum of Modern Art.

Abstract expressionisme als kunst in huis

Pollocks eigen werken bevinden zich in museumcollecties en zijn om auteursrechtelijke redenen niet vrij beschikbaar als reproducties, maar de vormentaal die hij ontwikkelde - de expressieve lijn, het gelijkmatig gevulde oppervlak, kleur als materie in plaats van als beschrijving - is een van de bruikbaarste uitgangspunten bij het kiezen van kunst voor een woning. De reden is eenvoudig te formuleren: een afbeelding zonder motief concurreert niet met de rest van de inrichting. Ze voegt kleur en beweging toe zonder een verhaal te vertellen dat telkens opnieuw gelezen moet worden wanneer je erlangs loopt. In Bozettos assortiment abstracte posters vind je dit type motief in verschillende formaten.

De grootte bepaalt de impact

De meest voorkomende fout bij expressieve abstractie is kiezen voor een te klein formaat. Pollocks doeken uit 1950 zijn om een reden tussen de twee en vijf meter breed: het overal dichtgevulde oppervlak heeft ruimte nodig om de lijnen de kans te geven een ritme te worden in plaats van een wirwar. Thuis betekent dit dat een abstracte compositie die alleen komt te hangen zelden kleiner dan 50 × 70 centimeter zou moeten zijn, en dat 70 × 100 centimeter boven een bank of bed vaak meer effect heeft dan drie kleinere motieven naast elkaar. Reken erop dat het kunstwerk ongeveer twee derde van de breedte van het meubel bedekt.

Kleurtemperatuur en licht

De emaillak die Pollock gebruikte, gaf een glanzend, deels metalen oppervlak dat verandert met het licht. In een woning betekent dit dat abstracte motieven met warme aardetinten, bruin, oker en baksteenrood het goed doen in ruimtes met beperkt daglicht, terwijl koelere composities in blauw en grijs meer licht nodig hebben om niet zwaar over te komen. Een poster in zwart-wit is de veiligste keuze als de ruimte al veel kleur bevat in textiel en meubels. Wil je juist dat de kunst de sterkste kleur in de ruimte vormt, dan werkt een duidelijke kleurrijke compositie het best op een verder rustig oppervlak.

Combineer expressiviteit met grafische elementen

Abstract expressionisme komt vaak het best tot zijn recht in combinatie met iets strakkers. Een combinatie van een expressief motief en twee puur grafische posters vormt een samenhangende wandcompositie zonder eentonig te worden - hetzelfde principe als wanneer musea Pollock in de buurt van geometrische abstractie hangen. Praktische adviezen voor het opbouwen van zo'n compositie vind je in de gids over het creëren van een fotowand, en meer verdieping specifiek over dit type motief in de gids voor abstracte posters.

Kaderkeuze en passe-partout

Gestische motieven komen goed tot hun recht in een smalle lijst die niet met de lijnen concurreert. Zwarte eik of wit gebeitste eik met een breedte van maximaal drie centimeter volstaat, en een passe-partout van vier tot vijf centimeter geeft het beeld ruimte zonder het te verkleinen. Vermijd brede vergulde lijsten – die creëren een museale omlijsting waardoor het motief naar een tijdperk wordt getrokken waartoe het niet behoort. Meer over deze afweging vind je in de artikelen over kunst inlijsten en over de juiste kunst voor je woning kiezen.

Tip: Hang een gestisch abstract motief op een plek waar je er schuin langsloopt in plaats van er recht voor te staan – in een hal, langs een trap of naast een zithoek. Pollocks doeken waren bedoeld om in beweging te worden bekeken, en een compositie zonder middelpunt komt beter tot zijn recht wanneer je haar terloops tegenkomt. Plaats het midden van het beeld op ongeveer 145 centimeter boven de vloer, wat overeenkomt met de normale ooghoogte van een staande volwassene.

Tijdlijn van het leven van Jackson Pollock

1912 – Paul Jackson Pollock wordt op 28 januari geboren in Cody, Wyoming, als jongste van vijf zoons.

1930 – Verhuist naar New York en begint bij de Art Students League te studeren bij Thomas Hart Benton.

1935 – Wordt aangenomen bij het Federal Art Project, onderdeel van de WPA, en ontvangt tot 1942 een vaste maandelijkse vergoeding.

1936 – Neemt deel aan de experimentele werkplaats van David Alfaro Siqueiros in New York en maakt kennis met vloeibare industriële verf.

1943 – Peggy Guggenheim geeft hem een contract, zijn eerste solotentoonstelling in november bij Art of This Century en de opdracht voor Mural.

1945 – Trouwt in oktober met Lee Krasner en verhuist in november naar Springs op Long Island.

1947 – Begint systematisch op het doek op de vloer te werken met gegoten verf; de doorbraak van de drippingschilderkunst.

1949 – Het tijdschrift Life publiceert in augustus een reportage van vier pagina's die hem landelijke bekendheid bezorgt.

1950 – Schildert Autumn Rhythm, One: Number 31 en Lavender Mist; Hans Namuth documenteert het werk in film en foto.

1952 – Schildert Blue Poles; Harold Rosenberg publiceert in december het essay over action painting in ARTnews.

1956 – Komt op 11 augustus op 44-jarige leeftijd om bij een auto-ongeluk in Springs. MoMA opent in december een herdenkingstentoonstelling.

1963 – Moderna Museet in Stockholm toont van 27 februari tot en met 15 april een solotentoonstelling onder leiding van Pontus Hultén.

1973 – De National Gallery of Australia koopt Blue Poles voor 2 miljoen dollar, destijds een recordbedrag voor een Amerikaans schilderij.

2015 – Number 17A wisselt voor 200 miljoen dollar van eigenaar in een privétransactie.

2026 – Het Metropolitan Museum of Art opent op 4 oktober de tentoonstelling "Krasner and Pollock: Past Continuous".

Verwante kunstenaars en stromingen

Jackson Pollock staat midden in een netwerk van kunstenaarschappen dat zowel terug als vooruit te volgen is. Terug leiden de sporen naar de pioniers van de abstracte kunst uit de jaren 1910, onder wie Wassily Kandinsky en Hilma af Klint de eersten waren die het motief volledig loslieten, en naar de automatische tekenkunst van de surrealisten, waarmee Pollock tijdens de oorlogsjaren in New York in aanraking kwam. Vooruit leiden ze naar de kleurvelden van Mark Rothko en naar het minimalisme van de jaren 1960, dat juist reageerde tegen het gebarende handschrift. Plaats je hem in een groter verband, dan hoort hij thuis in het modernisme dat de hele twintigste eeuw kenmerkte. Een fundamenteel biografisch overzicht is ook te vinden op Wikipedia. Meer verdieping over kunstenaars en kunststromingen verzamelen we in Bozettos kennisbank.

Veelgestelde vragen over Jackson Pollock

Wie verder wil bouwen op de vormentaal van het abstract expressionisme, vindt gebarende en kleurrijke motieven tussen onze abstracte posters, en verdieping in afzonderlijke meesters in de collectie met bekende kunstenaars. Begin met een groot motief op het oppervlak waar je het vaakst langsloopt – daar komt een compositie zonder middelpunt het best tot haar recht.